ALL THOSE CONCEPT ALBUMS

THE "CONCEPT ALBUM FEVER" WAS THE MOST CURIOUS AND CREATIVE TENDENCY OF ROCK MUSIC THROUGHOUT THE SEVENTIES...

Si alguna enfermedad, fiebre o locura, afectó por igual a todos los artistas y grandes grupos desde finales de los sesenta hasta la segunda mitad de la década de los setenta, ésa fue, sin duda alguna, la tendencia obsesivo compulsiva por los llamados "Concept Albums", discos creados alrededor de un eje o nexo temático. Se grabaron a patadas, hasta la saciedad, de todos los gustos, tamaños y colores. Y el gran público los recibía fascinado. Esa etiqueta bastaba para que los aficionados abrieran la boca con desmesura y enarcaran las cejas en señal de asombro y reverencia. Artistas como The Beatles, Alan Parsons, The Kinks, Alice Cooper, Kate Bush, Camel, ELO, Gentle Giant, Elton John, Moody Blues, Mike Oldfield, y una interminable lista (consultar enlace al pie de estas líneas) de infectados, pusieron todo su empeño en no ser menos que nadie y no quedar fuera de la moda. Se diría que si uno no grababa un "álbum conceptual" no contaba. A las obras de carácter instrumental ("Tubular Bells", "The Snow Goose", "The Six Wives of Henry VIII"), se unían ambiciosos proyectos generacionales ("Tommy" y "Quadrophenia" de The Who); excesos paranoides ("The Wall" de Pink Floyd); viajes surrealistas ("The Lamb Lies Down on Broadway" de Genesis); rituales místicos y metafísicos ("Tales from Topographic Oceans" de Yes); óperas teatrales ("Thick as a Brick" y "A Passion Play" de Jethro Tull) o extravagancias galácticas ("The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars" de David Bowie). A favor de toda esa corriente, y también como forma de explicar el fenómeno, se podría alegar que el afán por la creatividad, el talento compositivo, y el virtuosismo, eran moneda común en esa época. Existía, además, un factor intelectual, un ánimo revulsivo, una postura generacional, que acompañaba al arte y lo nutría. Dicho de forma simple: aún quedaban cosas por decir. En la actualidad, nadie, o casi nadie, tendría arrestos ni capacidad para enfrentarse a retos de esa índole, en forma de doble álbum. Tanto mejor. Dios nos libre de que cualquier imbécil de la MTV se sienta sublime de golpe al descubrir que su coeficiente intelectual casi iguala al de los monos. Carcajada de ThatWasMusic. Volviendo a los "Concept álbums", y para terminar, resta confesar, y eso es algo que cada uno se debe responder, qué relación mantenemos con ellos a día de hoy, más de treinta años después de su edición. Personalmente los contemplo con afecto. Ahí están, ocupando un puesto de honor en mi colección, aunque no sea capaz de escucharlos más que de tarde en tarde, y, rara vez, enteros. Algunos no han resistido el paso de los años, a pesar de ser modélicos... ¿quién se sienta ahora mismo y se traga "Journey to the Center of the Earth" de Rick Wakeman de un tirón? ¡Glubbbs!

Más información:
Lista de álbumes conceptuales de Wikipedia • Top 14 Greatest Rock Operas/Concept Albums of All Times • The Best Concept Albums by Rolling Stone • Comprar los álbumes relacionados en este artículo.

Just for Testing Purposes
• Listen "The Lamb Lies Down on Broadway" Part 1 and Part 2 (Link found in Viajeprogre Password: http://viajeprogre.blogspot.com) • Listen "The Wall" Part 1 and Part 2 (Link found in Poisonbeat) • Listen "Tales from Topographic Oceans" (Link found in Taringa) • Listen "Tommy" (Link found in Taringa) • Listen "The Six Wives of Henry VIII" (Link found in Delentrepiso) • Listen "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars" (Link found in puraoreja Password: puraoreja) • Listen "Joe´s Garage" Part 1 and Part 2 (Link found in Stuckonmars) • Listen "Thick as a Brick"

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JON ANDERSON, THE GATES OF SUNHILLOW

THE FIRST SOLO EFFORT OF JON ANDERSON REMAINS AS A MILESTONE IN HIS CAREER, A CONCEPT ALBUM FULL OF BEAUTY AND FANTASY

"Olias of Sunhillow", el primer disco en solitario de Jon Anderson, líder y voz de Yes, apareció en 1976. De hecho, todos los miembros del grupo hicieron su debut como solistas prácticamente al mismo tiempo. Tras el extenso tour que siguió a la edición de "Relayer", y con la banda en el cenit de su carrera, se imponía un descanso. Gozaban de una reputación extraordinaria, despertaban pasiones y copaban anualmente los primeros puestos en todas las categorías. Cada año, Melody Maker los aupaba al podio: "Mejor voz, Jon Anderson"; "Mejor guitarrista, Steve Howe", Mejor bajista: "Chris Squire", "Mejor compositor: "Anderson/Howe"; amén de mejor álbum, mejor teclista, arreglos, etcétera. Y es que en los setenta, al menos entre el 72 y el 77, y coincidiendo con el máximo apogeo del rock progresivo, Yes reinaron casi en solitario, superando en popularidad y éxito a King Crimson o a Genesis. Incluso Anderson y Howe llegaron a bromear sobre el tema. En una entrevista, hecha durante la grabación de "Tales", un periodista español les preguntó cuál era la diferencia entre ellos y Genesis. Se rieron y contestaron: "Bueno, ellos son un poco más, eh..., rústicos". La afirmación se entiende si se piensa en que un halo místico envolvía a Yes en aquellos días. Sus letras, a caballo entre lo críptico y lo poético, cósmicas, épicas; las portadas oníricas de sus discos; los universos que Roger Dean creaba para sus giras; su espectacular música –realmente muy adelantada a su tiempo, incluso en ocasiones incomprendida, como en el caso de "Tales From Topographic Oceans"–; sus declaraciones y su estilo de vida, les convertían en un punto y aparte. Yes era Yes. Y el resto, el resto. Cuando apareció "Olias of Sunhillow", el álbum fue considerado la quintaesencia del "universo Yes" y la crítica se deshizo en halagos. Anderson había grabado el disco en la soledad de su estudio, como un alquimista en su laboratorio, experimentando, viéndoselas con todos los instrumentos, exprimiendo la todavía exigua tecnología de la época al máximo. El resultado: un álbum conceptual que podría ser la banda sonora perfecta del universo lisérgico creado por James Cameron en Avatar –universo que está en deuda evidente con los mundos orgánicos y las islas flotantes creadas por Roger Dean–; un puñado de canciones telúricas y ritmos tribales, compuestos para dibujar un planeta agónico llamado Sunhillow, cuya raza deberá partir guiada por Olias en la Moorglade Mover, en un éxodo hacia el sol central. "Olias of Sunhillow" es un álbum que ha resistido excepcionalmente bien el paso de los años. Un trabajo en el que el todo, el conjunto, es más importante que las partes que lo integran. Posee momentos de inefable belleza. Es luminoso y mágico, hipnótico, metafísico. Y es comúnmente reconocido como el mejor trabajo de toda la carrera de Jon Anderson. No dudes en comprarlo. Es un disco memorable.

Más información
• Página oficial de Jon Anderson • Página sobre el álbum • Página con las letras del disco • Más información sobre Jon Anderson en All Music • Comprar "Olias of Sunhillow"
Just for testing purposes:
• Listen "Olias of Sunhillow"

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GREGG ALLMAN, BLUE EYED SOUL

"LAID BACK", THE FIRST SOLO ALBUM RECORDED BY GREGG ALLMAN IN 1973, IS ONE OF THE BEST "BLUE EYED SOUL RECORDS" OF ALL TIMES

Mirando hacia atrás, admitiré por vez primera en mi vida que le debo algo al punk, al tecnopop, a los new romantics y a todos los cretinos que poblaron el panorama musical de finales de los setenta. Esos mediocres me hicieron un gran favor; un favor inmenso: me regalaron Tiempo. Me explicaré. Cuando la Gran Música –ya sea rock, rock progresivo, folk rock, psicodelia, jazz rock, blues, rhythm & blues, o cualquier género de calidad hecho entre los sesenta y los setenta– entró en declive a raiz de la llegada de Juanito el Podrido y sus hordas de tarugos con piercing, la industria apostó por la vanalidad más absoluta en aras de la "modernidad". Durante años nos machacaron con grupos horrososos; hordas de drogados berreadores cargados de cadenas, y locas con teclado, gomina, abanico y rimmel. Es un hecho históricamente comprobable que buena parte de la Gran Música quedó estigmatizada. Decir en voz alta, en los ochenta, que "Selling England by the Pound" o "Made in Japan" o "Houses of the Holy" eran obras maestras conllevaba que todo el mundo te mirara con absoluta perplejidad y desprecio. Algún día llegaremos todos a la conclusión de que la década de los ochenta fue (salvo honrosas y muy dignas excepciones) realmente nefasta a nivel musical. Ante la falta de discos memorables, yo, como coleccionista, me dediqué a investigar en el pasado, a escuchar cosas que se me habían escapado. Así fue como descubrí, casi diez años después de su edición, la existencia de "Laid Back" (1973), primer álbum en solitario de Gregg Allman. Hasta la fecha no me había perdido ninguna grabación de los Allman Brothers; tampoco las dos antologías de Duane Allman y otras colaboraciones hechas por el excepcional y malogrado guitarrista..., pero, mierda, no había reparado en el trabajo de su hermano Gregg en solitario. Cuando cayó este álbum en mis manos me tiré de los pelos: ¡Casi diez años perdidos, sin reparar en esta joya, que contiene algunas de las canciones de amor más bellas y espectaculares que he escuchado en toda mi vida! Gracias al cielo, desde ese día –creo que fue en el verano de 1981– jamás he viajado sin "Laid Back". Lo grabé en cassette, y alimentó mi walkman Sony durante años; animó viajes; solucionó regalos. Recurro a él desde entonces, cada vez que el cerebro y el corazón me piden algo pasional, auténtico y eterno. Rhythm & Blues inmenso, insuperable, con un poderoso toque "Blue Eyed Soul" –soul de ojos azules–, romántico y sofisticado, y un redentor y feliz grito de gospel capaz de hacer bailar a los muertos. Tras este disco, en 1974, Gregg emprendió una gira promocional de "Laid Back", al margen de los Allman, cuyo fantástico documento sonoro es "The Gregg Allman Tour", obra maestra en la que el cantante, teclista, guitarrista y compositor, es acompañado por una orquesta de 24 músicos, y que se editó en formato de doble álbum. Puedo asegurar que de haber sido músico, y no escritor, hubiera dado cualquier cosa por componer alguna de las monumentales canciones que estos dos trabajos encierran. No lo dudéis, estas dos grabaciones son un deber para todo aquel que quiera morirse en paz, sabiendo que se lleva lo esencial de este mundo. Por todo eso, muchas gracias a Juanito el Podrido; gracias por llenar el mundo de mierda sonora y darme la oportunidad de entretenerme buscando perlas como éstas.

Más información
Página oficial de Gregg Allman • Página oficial de The Allman Brothers Band • Más información sobre Gregg Allman en All Music • Comprar "Laid Back" y "The Gregg Allman Tour"

Just for Testing Purposes
Listen "Laid Back" • Listen "The Gregg Allman Tour" (Originalmente un doble álbum en un único CD - SHM CD JPN Remaster) Part 1 Part 2 Part 3 Part 4 (Password: ruskaval)

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THE OZARK MOUNTAIN DAREDEVILS

PROBABLY THE BEST COUNTRY ROCK BAND OF USA. IF YOU LIKE THE EAGLES, POCO, OR AMERICA, THE MUSIC OF THE OZARK MOUNTAIN DAREDEVILS IS A MUST FOR YOU. A PRICELESS JEWEL.

The Ozark Mountain Daredevils –tradúzcase como Los Temerarios del Monte Ozark– son una banda de country rock formada en Springfield, Missouri, en 1972. Pero que nadie se lleve a engaño, no son la típica banda de country que a base de arpa de boca, banjo y violín anima veladas de whisky y bailes a la usanza de los que se montaban los pioneros del Far West en las largas y gélidas noches de viaje. En absoluto. Su sonido es una exquisita mezcla de country, rock y pop, tan perfectamente equilibrada, tan sutil, tan armoniosa y delicada, y tan sofisticada a un tiempo, que ha llevado a muchos críticos a considerarles nada más y nada menos que los Steely Dan del country. Es cierto. Sus discos son de una belleza aplastante. Cuando los Ozark Mountain se proponen componer una balada, un tema intimista, plácido, evocativo –y sus discos están llenos de ellas–, dejan muy atrás las mejores marcas obtenidas por bandas como The Eagles, America, Poco o Jackson Browne. Una afirmación de este calibre puede parecer gratuita, pura exageración, pero no lo es. Su juego vocal provoca asombro, es perfecto; su destreza y finura instrumental es de sacarse el sombrero; su talento como arreglistas, sencillamente portentoso. Poseen una abultada discografía, que llega prácticamente hasta la actualidad. A día de hoy, los Ozark Mountain Daredevils viven semi retirados. Varias veces al año se reunen, dan algún concierto que atrae a gente desde las cuatro esquinas de Estados Unidos, graban algún disco, y viven de la aureola mágica que han creado a lo largo de más de treinta años de actividad. No son en absoluto conocidos por el gran público, al menos no lo son más allá de los círculos de aficionados al country y a la buena música americana. Y es una pena. Confieso que de todas las bandas y artistas que he conocido a lo largo de cuarenta años dedicado plenamente a coleccionar discos, los Ozark están en el Top Ten de mis preferencias. Acompañan a estas líneas sus cuatro primeros álbumes. Que nadie se pierda la oportunidad de descubrir esta maravilla de maravillas. Vuestra deuda con ThatWasMusic será eterna. Lo sé.

Más información sobre The Ozark Mountain Daredevils
• Página oficial del grupo • Más información en All Music • Comprar los discos de The Ozark Mountain Daredevils

Just For Testing Purposes
Listen The ozark Mountain Daredevils (1973) • Listen "It´ll Shine when it Shines" (1975) • Listen "The Car Over the Lake Album" (1975) • Listen "Men From Earth" (1976)

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JETHRO TULL, LIFE´S A LONG SONG

LADIES & GENTLEMEN, HATS OFF! PLEASE, CLAP YOUR HANDS TO MR. IAN ANDERSON AND THE MAGNIFICENT JETHRO TULL

Recuerdo como si fuera ayer la extraordinaria sensación que supuso tener "Living in the Past" en mis manos, en 1972, una tarde en la que una amiga del curso de COU, de la que después nada más supe, me prestó ese célebre doble álbum recopilatorio de Jethro Tull, que reunía material en directo junto a singles, caras B y piezas procedentes de la primera época del grupo, aquélla más asentada en el rhythm & Blues y el folk rock que en los conceptos progresivos al uso. Imma, así se llamaba mi benefactora, lo había comprado en Andorra. Las tapas eran gruesas, de cartón, con lomo y textura que imitaba las estrías de la piel añeja. Sin duda uno de los mejores envoltorios que jamás haya tenido un disco. Creo que esa fue la primera vez en mi vida en que la atracción por un LP superaba mi interés por una mujer. De hecho, salí corriendo en dirección a casa, cruzando la ciudad como una exhalación, sin entretenerme ni en los besos. Aquella noche, en mi primer tocadiscos monoaural –un trotado Cosmos en forma de maletín cuya tapa era al tiempo el altavoz– quedé atrapado en los surcos de esta joya, y, lo que es aún más significativo, quedé irremisiblemente atrapado para siempre en el pasado. Al menos en lo musical. Y me alegro de esa "condena", pues ante la mediocridad musical del presente no me cuesta imaginar lo abominable que llegará a ser el futuro. Como dice el tema clásico de los Tull, la vida es una larga canción. Y desde ese lejano día al que me he referido, la música de Ian Anderson ha sido la mejor amiga y compañera de viaje. La copia de Imma acabó siendo protagonista de infinitas tardes de cubatas y amigos. Todos estábamos fascinados por el look de los Tull, que nada tenía que ver con el arquetipo de rock star al uso. Ian Anderson era la encarnación del perfecto beggar inglés o del clochard francés; andrajoso y zarrapastroso a más no poder; un storyteller extraordinario, capaz de encerrar las vivencias de toda una vida en un tema de menos de tres minutos. Con el paso de los años, muchos de los discos de la abultada discografía de este grupo decisivo e irrepetible se convirtieron en clásicos de mi discoteca, pero confieso que rara vez, cuando la ansiedad Tull se despierta –cosa que ocurre con relativa frecuencia–, recurro a títulos como "A Passion Play" o "Thick As a Brick", platos demasiado contundentes, que requieren de tiempo y tranquilidad para ser paladeados. Termino siempre con "Aqualung" o con "Living in the Past" entre las manos. O con alguno de sus discos intermedios: "Minstrel in the Gallery", "Songs from the Woods" o "War Child". Mirando hacia atrás, con carácter retrospectivo, todos coincidiremos en que la aportación de Ian Anderson al Gran Concierto del Rock no tiene precio. Más de treinta álbumes oficiales, más de 60 millones de copias vendidas en todo el mundo, más de 2.500 conciertos a sus espaldas en más de 40 países confirman que Eso Era Música. ThatWasMusic. Y afortunadamente, lo sigue siendo. Por muchos años. God Save Jethro Tull. Y a la reina, alpiste.

Más información:
Página oficial de Jethro Tull • Página personal de Ian Anderson • Más información sobre Jethro Tull en All Music • Comprar discos de Jethro Tull

Just For Testing Purposes:
Listen "Stand Up" (1969) • Listen "Benefit" (1970) • Listen "Aqualung" (1971) • Listen "Thick as a Brick" (1972) • Listen "Living in the Past" Part 1 and Part 2 (1972) • Listen "A Passion Play" (1973) • Listen "War Child" (1974) • Listen "Minstrel in the Gallery" (1975) • Listen "Songs from the Woods" (1977) • Listen "Bursting Out" (1978)

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GEORGE HARRISON, ETERNAL

BECAUSE WE LIVE IN A MATERIAL WORLD, YOU SHOULD LISTEN THIS ALBUM AGAIN AND AGAIN

Antes de escribir estas líneas he estado pensando un buen rato qué decir de "All things Must Pass". Para mí no es fácil hacerlo. Esta maravilla firmada por George Harrison, el Beatle místico, es algo más que un disco emblemático; más que una obra de arte; más que el mejor de los álbumes de la era post Beatle, junto al "Imagine" de John Lennon; más que el hito de haber sido el primer triple LP grabado en la historia del rock por un artista; más, en definitiva, que un disco de culto; más que una grabación absolutamente inmortal, bella e insuperable; más..., ¿qué más?. Lo diré a tumba abierta: "All things Must Pass" formó parte de la banda sonora de la primera juventud de quien esto escribe. Y eso marca de por vida, no se puede olvidar. A los catorce años yo echaba monedas en una máquina de discos, en un bar perdido, en un pueblo perdido en mitad de Aragón, en un verano libre e interminable. Sonaba "My Sweet Lord". Y también "What is Life" y "Apple Scruffs". Afortunadamente, no era yo el único dispuesto a alimentar a aquel mostruo insaciable. Recuerdo que todos nos quedábamos sin monedas a diario, sin poder comprar tabaco. Todo por seguir escuchando a Harrison, una y otra vez. De vez en cuando, para variar, apretábamos otras teclas y optábamos por darle una oportunidad a Ringo y su genial "It´t Don´t Come Easy", o a Paul, con su delicioso "Another Day"; también, en menor medida, a Paul Simon, a Paul Revere y los Raiders, a los Creedence, o, ya de noche, cuando aparecía alguna chica de las que encandila, a Roberta Flack, que nos mataba suavemente y nos dejaba suspirando. No obstante, Harrison reinó en solitario en aquel particular Summer of Love.
Hoy, muchos años después, cuando escucho cualquiera de las canciones de "All Things Must Pass", se me hace un nudo en la garganta y entro en estado afásico, incapaz de articular una sola palabra. Sólo puedo escuchar, en silencio, con auténtica devoción, convencido de que THAT WAS MUSIC. ¿Lo entendéis? Sí. Eso era música. Música inmensa, perfecta, bellísima, inspirada, inagotable, auténtica, honesta, reconfortante y pura. Es cierto. Es así. O lo era. El jardín ya no es el mismo, George. Ahora cruza una autopista de peaje; la excavadora se llevó por delante a los enanitos –"¿Enanitos?, ¡dejémonos de mariconadas!", resolvieron–; el aire se vició debido a una zona industrial en la que fabrican algo que no sé para qué sirve pero que me obligan a comprar. Pero eso no es lo peor: inventaron, a renglón seguido, los relojes digitales, la odiosa MTV, y un montón de aberraciones más; instauraron el culto al marketing, al break-even, al Cost-Volume-Profit Analysis, al ego que tú tanto aborrecías, y a la vulgaridad más lacerante; denostando y prohibiendo, por el camino, todo aquello que antes entendíamos era sagrado. Para terminar, edificaron millones de nichos de hormigón, que tapan el horizonte, y que nos venden, hatajo de hijos de la gran puta, a plazos de por vida. ¡Ay, George, cuánta razón tenías al avisarnos! "¡Cuidado con la oscuridad, tened cuidado con la oscuridad!", cantabas. Ojalá estuvieras aquí, de verdad. Y ojalá alguien me devolviera aquellas monedas de cinco pesetas y aquella fantástica jukebox llena de himnos de vida a 45 revoluciones por minuto.


• Página oficial de George Harrison
• Más información en All Music
• Comprar "All Things Must Pass"

Just for testing purposes:
• Listen "All Things Must Pass", Part 1 and Part 2
(Link found in Atravesdelpuente)

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ALLMAN BROTHERS, AT FILLMORE EAST

THE ALLMAN BROTHERS "AT FILLMORE EAST" IS THE WINNER OF TWM QUEST FOR THE BEST LIVE ALBUMS OF ROCK

Pocas sorpresas, por no decir ninguna, ha arrojado la votación de los visitantes y amigos de ThatWasMusic a la hora de elegir los mejores álbumes en directo de la historia del rock. La duda, si alguna cabía, era dilucidar si la balanza terminaría por decantarse del lado ocupado por la formidable banda sureña liderada por Duane y Gregg Allman, o bien por los legendarios Deep Purple. Sólo dos votos han separado a los primeros de los segundos en la encuesta. "At Fillmore East" (1971) y "Made in Japan" (1972) brillaron en una década que supondría la mayoría de edad para el rock; un tiempo de absoluta creatividad y libertad que permitió a muchas bandas dar rienda suelta a sus ideas y a su talento. Lo que se recogía en estudio era sublimado en directo, sin artificios, de forma honesta. El "Live Album" suponía, por tanto, una suerte de reválida, la prueba de fuego para aquellos que aspiraban a habitar en el Olimpo del Rock. Si no puedes mejorarlo sobre un escenario, no sirves. Ese parecía ser el lema. La modalidad, que había sido inaugurada por grupos como The Who, con su demoledor "Live at Leeds" (1970), o por Crosby Stills, Nash & Young, con el inenarrable "Four Way Street" (1971), llegaría a su cénit con el legendario triple LP "Yessongs" (1973), ampulosa producción de Yes, indiscutibles reyes del rock progresivo, y con "The Songs Remains the Same" (1976) de Led Zeppelin. Estas dos últimas obras vieron la luz acompañadas por películas de igual título. Los setenta fueron, en definitiva, la década mas asombrosa desde el punto de vista escénico. El rápido desarrollo de la tecnología –en cuanto a amplificación e iluminación, desarrollo de nuevos instrumentos (sintetizadores) y sistemas de grabación móviles– abocó a las grandes bandas a emprender tours cada vez más extensos y costosos. No siempre el éxito comercial acompañó esas giras mastodónticas; baste recordar cómo Emerson, Lake & Palmer acabaron, paradójicamente, arruinados en plena gloria wagneriana. Los excesos siempre se pagan. Los discos que hoy presentamos son paradigma y arquetipo de todo lo dicho. Verdaderas obras de arte con las que inauguramos 2010, un año en el que todos debemos intentar comprar cuanta música nos sea posible. No hay placer equiparable al coleccionismo. No olvidéis nunca eso. Sed felices.

War of the Classics
BEST LIVE ALBUMS
Resultado de la encuesta • Número de votantes: 90. Total de votos otorgados: 450

1. Allman Brothers Band "At Fillmore" - 40 votos (44%) • 2. Deep Purple "Made in Japan" - 38 votos (42%) • 3. Led Zeppelin "The Song Remains the Same" - 31 votos (34%) • 4. The Who "Live at Leeds" - 26 votos (28%) • 5. Yes "Yessongs" - 24 votos (26%) • 6. Neil Young "Live Rust" - 20 votos (22%) • 7. Pink Floyd "Pulse" - 20 votos (22%) • 8. C,S,N & Y "Four Way Street" - 18 votos (20%)

JUST FOR TESTING PURPOSES
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1. Listen The Allman Brothers "At Fillmore" • 2. Listen Deep Purple "Made in Japan" • 3. Listen Part 1 and Part 2 Led Zeppelin "The Songs Remains the Same • 4. Listen The Who "Live at Leeds" (Password: lyricalsolace) • 5. Listen Part 1 and Part 2 Yes "Yessongs" • 6. Listen Neil Young "Live Rust" • 7. Listen Part 1 and Part 2 Pink Floyd "Pulse" • 9. Listen Part 1 and Part 2 C,S,N & Y "Four Way Street"

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JUSTIN HAYWARD, BLUE GUITAR

"THE VIEW FROM THE HILL" IS A MUST NOT ONLY FOR JUSTIN HAYWARD/MOODY BLUES FANS, BUT FOR ANY SERIOUS COLLECTOR. A TIMELESS MASTERPIECE. A HAND FULL OF BEAUTY.

No creo que un artista de la talla de Justin Hayward necesite de largas presentaciones. Todo el mundo sabe que es una de las piezas básicas y fundamentales de esa querida, casi entrañable, formación británica responsable de alguna de las canciones más célebres y amables de la historia del pop sinfónico, los Moody Blues. Hayward, en solitario, ha estampado su firma a unos cuantos discos maravillosos. Baste recordar el clásico "Blue Jays", junto a su compañero John Lodge, en 1975, o el magnífico "Songwriter" (1977). Durante los ochenta completó tres más ("Nightflight", "Moving Mountains" y "Classic Blue"), todos sumamente recomendables. El disco que hoy presentamos en ThatWasMusic es su único trabajo de estudio durante los años noventa. "The View From The Hill" (1996), es sin duda alguna la cumbre de su carrera como solista; una maravilla que hace difícil que el propio Hayward pueda batir el listón en el futuro. Aunque con su talento nunca se puede afirmar algo así de modo categórico. Los que conozcan este trabajo nos darán la razón. Un puñado de canciones bellísimas, muchas de ellas baladas al más puro estilo Moody Blues, excelemente producidas, mimadas en todos los detalles y arreglos, con unas letras formidables y un artista en plena forma, en el cénit de su carrera, cantando como nunca. "The View from the Hill" es un álbum introspectivo, poético, otoñal, emocionante. Un disco que enamora desde la primera audición y que gana terreno en el ánimo así se suceden las escuchas. Sencillamente, una obra ante la que hay que sacarse el sombrero. Pop de lujo, refinadísimo, con clase. No te lo pierdas bajo ningún concepto. Escúchalo y búscalo. Puedes comprarlo online fácilmente. Recuerda que te lo recomendó TWM, un blog que sólo se entretiene en lo sublime. Que a estas alturas de partido ya no estamos para bagatelas ni mediocridades.

More information:
Página Oficial de Justin Hayward • Mas información en All Music • Comprar "The View From The Hill" u otras obras del artista

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GENTLE GIANT, A TASTE OF GLORY

"WE WANT TO EXPAND THE FRONTIERS OF CONTEMPORARY POPULAR MUSIC AT THE RISK OF BECOMING VERY UNPOPULAR"

La mejor forma de definir en pocas palabras a Gentle Giant es utilizar una declaración de principios que les animaba en los años setenta, y que aparecía en las notas interiores de su álbum "Acquiring the Taste": "Pretendemos expandir las fronteras de la música popular contemporánea aun a riesgo de hacer cosas impopulares". Los que conozcan bien a esta extraordinaria banda –sin duda alguna la más original, ecléctica, sorprendente y vanguardista del rock progresivo– entenderán la frase perfectamente. Gentle Giant eran fascinantemente complejos e imbricados, superando los gustos, patrones y planteamientos habituales del Art Rock de su tiempo, lo que ya es decir. Para los que desconozcan la incomparable música del Gigante Gentil y necesiten referencias, sólo podríamos decir que mezclaban la electricidad del rock; la atmósfera plácida del folk; la aventura sin patrón ni limitación del jazz; las armonías propias de la música clásica; sonidos y melodías medievales; aires juglarescos; arreglos de cuerda propios de un cuarteto de cámara; delirantes juegos y acrobacias vocales a cappella, y un sinfín de recursos estilísticos que provocan asombro incluso en la actualidad. Su concepción musical era tan adelantada a su tiempo que a día de hoy sigue vigente, vigorosa, fresca. Eran magos de lo imposible, del más difícil todavía. Más que tocar, jugaban, dialogaban entre ellos, deconstruían una melodía hasta quebrarla, sólo para volver a pegar los trozos un minuto más tarde, aunque en un nuevo orden silábico. Su dominio instrumental era sencillamente apabullante. En una pieza podían confluir guitarras eléctricas, acústicas, bajo, batería, percusiones, sintetizadores, flautas, violín, violoncello, xilofón y una avalancha de voces y coros ejecutando acrobacias impensables. Durante la segunda mitad de los setenta simplificaron sus planteamientos, buscando un sonido más comercial. Por esa razón, los discos editados entre 1976-1980 (de "Interview" a "Civilian"), si bien son interesantes y válidos, no revisten ni poseen el atractivo de los que hoy presentamos en ThatWasMusic: siete trabajos de estudio, fascinantes, y un excelente doble álbum en directo. Gentle Giant nunca superaron el listón comercial impuesto por bandas coetáneas como Genesis, Yes, E,L&P o King Crimson, pero rubricaron para la historia un legado sin parangón, que les sitúa en una categoría reservada sólo a virtuosos y pioneros de un territorio musical inexplorado, vetado para la inmensa mayoría.

More information:

• Gentle Giant Official Page • Gentle Giant en All Music • Comprar álbumes de Gentle Giant

Just For Testing Purposes:

• Listen "Gentle Giant" (1970) • Listen "Acquiring the Taste" (1971) • Listen "Three Friends" (1972) • Listen "Octopus" (1972) • Listen "In A Glass House" (1973) • Listen "The Power and the Glory" (1974) • Listen "Free Hand" (1975) • Listen "Playing the Fool-Official Live" (1977), part One and part Two

All these Links belongs to buscabusca; except "Acquiring the Taste", found in Taringa, and "In A Glass House", found in Oidale-Rock

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