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Mostrando entradas con la etiqueta Folkrock. Mostrar todas las entradas
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sábado, 2 de abril de 2011

RONNIE LANE & SLIM CHANCE

CANTANTE, BAJISTA, COMPOSITOR, MÚSICO EXTRAORDINARIO, EL NOMBRE DE RONNIE LANE HA QUEDADO ASOCIADO A DOS BANDAS CLÁSICAS, THE SMALL FACES Y FACES, PERO TAMBIÉN A PETE TOWNSHEND, CON EL QUE GRABÓ UN EXTRAORDINARIO ÁLBUM, Y SU ÚLTIMA BANDA, SLIM CHANCE, CON LA QUE PRODUJO VARIOS ÁLBUMES EXTRAORDINARIOS, A CABALLO DEL FOLK, LA MÚSICA ACÚSTICA, EL ROCK CLÁSICO E INCLUSO EL JAZZ. LOS DOS DISCOS DE ESTE POST SON AUTÉNTICAS JOYAS, IMPRESCINDIBLES. ¿CÓMO HAS PODIDO VIVIR SIN ESCUCHAR ALGO TAN MAGNÍFICO?

Just for testing purposes


Listen Ronnie Lane "Ronnie Lane's Slim Chance" (1974)
Listen Ronnie Lane "One for the Road" (1975) (JPN Edition with bonus tracks)

These links belongs to the excellent blog: thelakeband.blogspot



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viernes, 23 de julio de 2010

TIM HART & MADDY PRIOR

A RARE JEWEL RECORDED BY TIM HART & MADDY PRIOR, FORMER MEMBERS OF STEELEYE SPAN. A MUST FOR ANY SERIOUS COLLECTOR OF FOLK MUSIC. A BEAUTIFUL ACOUSTIC ALBUM, SWEET AND PLEASANT

Born in Blackpool and raised in St Albans Maddy Prior first came to prominence as a duo with singer/ guitarist Tim Hart, building a reputation around the folk clubs and releasing two albums. As the 70s dawned, they joined forces with Ashley Hutchings (of Fairport Convention) and Gay & Terry Woods, with the idea of fusing folk song with rock instrumentation and technique. The new group took its name from a traditional Lincolnshire ballad 'Horkstow Grange' - the tale of a character called Steeleye Span. So began an incredible story. Others may claim the invention of folk-rock, but Steeleye were the first to drag it into the electronic age. In the age of the giant rock band, Steeleye Span fitted the bill perfectly, taking folk music out of the backroom clubs and into the charts with a string of hit albums, gold discs and world tours. Hart and Prior remained constant in a group whose changing line-ups read like a Who's who of British folk, until Tim left in 1980 and the band undertook a couple of sabbaticals, before returning in 1986. • text FROM THE OFFICIAL PAGE OF MADDY PRIOR

Más información:
Página de Steeleye Span Página oficial de Maddy Prior Steeleye Span en Wikipedia Página en All Music Guide Comprar "Summer Solstice"

Just for Testing Purposes:
Listen "Summer Solstice" (24 bit JPN Remaster) Rapidshare, Megaupload

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domingo, 20 de junio de 2010

THE STRAWBS, FROM THE WITCHWOOD

STRAWBS ES SIN DUDA ALGUNA UNA DE LAS BANDAS MÁS QUERIDAS Y APRECIADAS DEL FOLK PROGRESIVO BRITÁNICO. CON UNA LARGUÍSIMA DISCOGRAFÍA A SUS ESPALDAS, MUCHOS DE SUS ÁLBUMES SON IMPRESCINDIBLES EN CUALQUIER BUENA COLECCIÓN. "FROM THE WITCHWOOD" Y "HERO & HEROINE" SON DOS OBRAS MAESTRAS.
One of the better British progressive groups, The STRAWBS were a 60's folk and medieval band turned prog-rock with the help of Dave COUSINS (the heart and soul of this group) and Rick WAKEMAN "master of the keyboards". WAKEMAN is featured on the albums "Strawbs", "Dragonfly", "Just A Collection of...", and "From The Witchwood" before he joined YES. The line-up for the group changed markedly over the years. Their sound has been in a state of constant evolution combining English folk and progressive sounds to form their unique style. Critics seem to have a preference for the STRAWBS in the early Seventies when the group consisted of Tony & John HOOPER, John FORD, Richard HUDSON and keyboard virtuoso Rick WAKEMAN. The group ceased to exist at the end of the 1970s, and COUSINS embarked on some solo projects. STRAWBS would appeal to fans of bands like FAIRPORT CONVENTION, STEELEYE SPAN, PENTANGLE, etc. They have recorded over 15 albums through the years, with various lineups around the core of Dave COUSINS who offered beautiful melodic compositions. Every STRAWBS album between "Witchwood" and "Nomadness" has something unique to offer. A perfect introduction to the sound of The STRAWBS is the compilation-CD "A Choice of Strawbs" (16 tracks). It features all their best material from their most creative and "symphonic" period (between '71 and '74). The music of The STRAWBS frequently ranges from folky (acoustic guitars) and classic (piano and harpsichord) to bombastic, symphonic rock (fiery electric guitar and glorious Mellotron in the vein of BARCLAY JAMES HARVEST and The MOODY BLUES). The vocals are powerful with a lot of expression.
Más información:
Página oficial de The Strawbs Página de Strawbs en AMG
Comprar álbumes de Strawbs

Just for Testing Purposes:
Listen "From the Witchwood"
Listen "Hero & Heroine"

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domingo, 14 de marzo de 2010

STACKRIDGE, THE BEST OF ENGLAND

TRAS CUARENTA AÑOS GRABANDO DISCOS EXCEPCIONALES, DESDE LA PRIMERA HASTA LA ÚLTIMA NOTA, STACKRIDGE SIGUEN SIENDO UNOS PERFECTOS DESCONOCIDOS PARA EL GRAN PÚBLICO, UN GRUPO DE CULTO DEL QUE ES IMPOSIBLE NO QUEDAR PRENDADO.

Todos los artistas o grupos de este mundo, y poco importa su estilo musical, su atmósfera o su procedencia, tienen imitadores, continuadores de su sonido, o se parecen a otros, o toman prestados logros e ideas de otros, etcétera. Precisamente por eso, cuando alguien quiere explicar rápidamente a un amigo cómo suena, por ejemplo, Starcastle, es normal que termine resolviéndolo por la vía fácil: "son como unos Yes a la americana, bastante buenos". Y punto. Y así con todo. Pero no con Stackridge. Con Stackridge rompieron el molde. De ahí que sea tan difícil explicar qué música componen y tocan y cómo suenan. Voy a intentarlo, y no tengo otro método que tirar de comparaciones. Aunque aviso por adelantado que ellos no tienen nada que ver con ningún artista que yo pueda citar, pues son únicos y formidablemente buenos. Tan buenos que cuesta creer que algo tan bueno no haya triunfado a gran escala. Vamos allá. Stackridge son británicos, y eso marca sus voces y su carácter. Voces británicas, perfectas, amantes de la armonía y de la melodía. Digamos que sus voces son tan buenas como las de los Beatles cuando se ponían sublimes. Stackridge tiene una faceta pop muy marcada. En eso son también como los de Liverpool, pero juro que sus composiciones no tienen nada (NADA) que envidiar a las mejores de Lennon/McCartney, a los que reconocen adorar abiertamente. Punto. Stackridge son también un grupo de rock progresivo (sí, has leído bien), que en ocasiones te recordará a Gentle Giant y en otras al sonido Canterbury de Caravan o Hatfield & the North (piensa en la voz de Richard Sinclair). Stackridge también son un grupo de folk rock; marcadamente acústicos, tradicionales, psicodélicos o medievales. Todo depende del tema y del día. Stackridge son también jazzísticos. También están en deuda con la música clásica (Frederick Delius, Stravinsky), y eso se nota en sus arreglos, en la delicadeza de sus adornos. Stackridge son también amantes de la música de music hall o cabaret, de la broma sonora, de la salida ingeniosa, de la melodía añeja, del ritmo antiguo. Añadamos, por tanto, un toque impredecible a lo Monty Python. Para terminar, baste decir que son instrumentistas extraordinarios. Cuando construyen una pieza instrumental logran dejar a todo el mundo boquiabierto. Ah, sí: las letras son deliciosas, divertidas, llenas de ingenio. Les gusta contar historias. Y lo hacen de maravilla. Termino. Ya termino. Queda la atmósfera: son vitales, optimistas, frescos, románticos, épicos. Buen humor garantizado de principio a fin. Ni una sola de sus canciones, ni una sola, es inferior al resto. Así que debes escucharlos. Y luego, cuando lo hayas hecho, vuelve y contesta a mi maldita pregunta: ¿cómo es posible que el mundo no sepa de la existencia de algo así? Los caminos de Dios son inexcrutables. Seguramente los reservó en vistas a amenizar las largas y perezosas tardes en el paraíso. No te los pierdas, sería el mayor error de tu vida. Empieza, si no sabes por dónde, con "Friendliness". Y compra sus discos. El grupo sigue en activo y se merece todo el apoyo y el afecto del público.

Más información:
Página oficial de Stackridge Página de Stackridge en All Music Página de Stackridge en Prog Archives Comprar discos de Stackridge

For Testing Purposes only
Listen "Stackridge" Listen "The Man In The Bowler Hat" Listen "Friendliness" Listen "Mr. Mick"

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lunes, 8 de marzo de 2010

MAGNA CARTA, MUSIC FOR ALL SEASONS

BRIEFLY AND IN CAPITAL LETTERS: MAGNA CARTA WAS THE MOST BEAUTIFUL ACOUSTIC BAND OF THE SEVENTIES. PERIOD.

Los álbumes grabados por Magna Carta durante la década de los setenta merecen estar en la vitrina de los grandes tesoros. Ningún otro grupo acústico puede hacerles la más mínima sombra, pues ellos son la máxima referencia del género. Delicados y exquisitos, sus discos son compañeros de por vida. En ese extraño viaje, se puede prescindir de muchas cosas, pero jamás de Magna Carta.

MAGNA CARTA is an English 'folk' band, formed in 1969 in London by Chris Simpson, Lyell Tranter, and Glen Stuart. They were part of the early progressive wave, but without really fully stepping into the progressive realm. Magna Carta's music is largely inspired and influenced by the folk of Simon & Garfunkel, focussing on soft and gentle acoustic music, often with a traditional feel, augmented with orchestral arangements and good vocal harmonies. Influences and similar artist include the already mentioned Simon & garfunkel, Fairport Convention, Kevin Ayers, Moody Blues, Amazing Blondel, Caravan, Al Stewart, the softer folk/singer songwriter genre and Canterbury genre.
MAGNA CARTA has gone through numerous personel changes over the years, with the only constant factor being Chris Simpson. Most notable members include Glen Stuart, an amazing vocalist with a great range, Lyell Tranter, who soon departed for Australia to be replaced by Davey johnstone on guitars (left Magna Carta to join Elton John as long time band member), and Linda Taylor who would later merry Chris Simpson. Between 1969 and 1975 MAGNA CARTA made some wonderfull albums, with the beautifull "Seasons' and 'Lord Of The Ages' as absolute highlights. Also the live album "In Concert" recorded in 1971 in Amsterdam is not to be missed. With the leaving of Glen Stuart the magical beauty was lost, and for a while the band seemed to fall apart. Chris Simpson however managed to keep the band alive and MAGNA CARTA continoud making nice highly enjoyable music. In 1983 Chris met Linda Taylor and they continued mostly as a duo keeping the MAGNA CARTA name alive. Studio albums became rare, but rereleases of studio albums, and new live recordings kept them performing throughout Europe until today. Text by Prog Archives.

More information:
Página oficial de Magna Carta Página de Magna Carta en All Music Comprar álbumes de Magna Carta
Just for Testing Purposes:
Listen part one and Listen part two "Magna Carta" Listen "Songs from Wasties Orchard" Listen "Seasons" Listen "Lord of the Ages" Listen "Magna Carta Live in Concert" Listen "Martin´s Cafe"

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martes, 23 de febrero de 2010

JOYAS DE COLECCIÓN (III) PETE DELLO & FRIENDS • INTO YOUR EARS

"INTO YOUR EARS", UN ÁLBUM GRABADO EN 1971 POR PETE DELLO –FUNDADOR DEL GRUPO BRITÁNICO HONEYBUS– ES UNA JOYA SONORA; UNA COLECCIÓN DE CANCIONES CONSTRUIDAS SOBRE EL FOLK, EL POP DE ARREGLO BARROCO Y LA SIMPLICIDAD ACÚSTICA QUE ROZA LA PERFECCIÓN ABSOLUTA.

Referencias: pop psicodélico de factura exquisita y arreglos clásicos; armonías vocales perfectas; sonido limpio y cristalino. En la mejor tradición Beatles, Hollies, Kinks. Un diez sobre diez.

Pete Dello was the original leader of the Honeybus, a short-lived but wonderful English baroque-pop group who only managed to release one album in 1970 (finally reissued in 2008). For all the gems available on compilations like "Honeybus At Their Best" and "She Flies Like A Bird: The Anthology", fans of their brand of summery, rootsy pop couldn’t be truly satisfied without an ear on Dello’s fine solo efforts.

Comparisons to the Beatles are somewhat unavoidable, from the next-level songwriting to the double-tracked voice, chamber orchestra production, but assertions of cheap imitation are unacceptable. Dello’s album is a pretty mix, most songs led with a clean acoustic guitar or piano, flavoring the sound with modest string and brass sections. This is where the record gets its baroque tag, but at times the music, like Honeybus, approaches a country-folk-rock sound. Tracks like I’m A Gambler illustrate that perfect mix of rural rock and sunshine pop, blessed with some especially tasteful percussion. The trick to the record’s charm may be the Nilsson inspired vocal treatments, either Dello’s unassuming lead or the lilting vocal turns and harmony parts.

I wouldn’t call it a perfect record, but it gets pretty close and grows to be very solid. Pete scored with his first Honeybus single, I Can’t Let Maggie Go, and gets a chance at a full showcase with Into Your Ears. Only a couple tracks push the British camp too much for my ears, so take note if you’re fond of skipping sillier tracks. If you’re looking for gems, you’ll be right on target.



Más información:

Página de Pete Dello en All Music Página de Honeybus y Pete Dello Comprar "Into Your Ears"



Just for Testing Purposes:


Listen "Into Your Ears"



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domingo, 7 de febrero de 2010

AMAZING BLONDEL, BELLEZA BRITÁNICA

DELICADOS Y PRECIOSISTAS, EMPEÑADOS EN LA PERFECCIÓN, DOTADOS DE UNAS VOCES ÚNICAS, INSTRUMENTISTAS CONSUMADOS, AMAZING BLONDEL SON, JUNTO A STEELEYE SPAN, LO MEJOR DEL FOLK TRADICIONAL BRITÁNICO. SU MÚSICA ES COMO UNA ACUARELA DE TURNER O COMO UN PASEO POR LA CAMPIÑA INGLESA CUANDO LA PRIMAVERA ESTRENA VESTIDO NUEVO. SENCILLAMENTE EXCEPCIONALES.

AMAZING BLONDEL existed throughout the early seventies. Originally formed by John David GLADWIN, Terry WINCOTT and Eddie BAIRD after leaving another even more obscure band called METHUSELAH. For these three, the band was essentially a three piece singing and playing krumhorns, recorders, lute, theorbo, guitars, dulcimers, flute, piano, harpsichord, mellotron, organ, tabor, cittern tubular, bells, glockenspiel and percussion. English mostly acoustic 1969-76. Middle-age renaissance guitar, organ and other instruments, multipart harmony vocals, etc., bordering on the prog movement in England at the time. The musicians had earlier played rock and thus the music cannot be termed classical either. Among lots of famous guest musicians can be named Boz Burrell, Eddie Jobson, Steve Winwood and Mel Collins.
"The Amazing Bondel" was a collection of soft acoustic rock numbers that included one medieval-styled song that seemed to go over better than anything else, and that was the direction they aimed for in their future releases. "Evensong" is a folk album that harked back to the Middle Ages and the Renaissance. Madrigals and ballads performed on period instruments became their specialty and the trio's creative ideas led to the concept album "Fantasia Lindum", which belongs more to progressive-rock than to folk-rock. "England" used the same technique to craft elegant, lushly-arranged pop songs. GLADWIN left and the surviving duo veered towards STEELEYE SPAN's hard-folk with "Blondel", entirely composed by BAIRD, "Mulgrave Street", "Inspiration", "Bad Dreams". The band reunited 21 years later for "Restoration" (1997), an album which harkens back to their halcon days.
Their third and fourth albums "Fantasia Lindum" and "England" represent the most musically sophisticated of the material, which any progressive fan without an aversion to folk music should have no trouble enjoying. Most fans of early GRYPHON, JETHRO TULL, FAIRPORT, and other British folk rock will be delighted with this band. TEXT by PROG ARCHIVES

Más información
Página oficial de Amazing Blondel Página Fantasia Lindum de Amazing Blondel Más información en All Music Comprar álbumes de Amazing Blondel

Just for Testing Purposes
Listen "Evensong" (1971) Listen "Fantasia Lindum (1972) Listen "England" (1972) Listen "Blondel" (1973) Listen "A Foreign Field That Is Forever England (Live Abroad 1972-73)" (1996) Listen "Restoration" (1997)

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sábado, 16 de enero de 2010

THE OZARK MOUNTAIN DAREDEVILS

PROBABLY THE BEST COUNTRY ROCK BAND OF USA. IF YOU LIKE THE EAGLES, POCO, OR AMERICA, THE MUSIC OF THE OZARK MOUNTAIN DAREDEVILS IS A MUST FOR YOU. A PRICELESS JEWEL.

The Ozark Mountain Daredevils –tradúzcase como Los Temerarios del Monte Ozark– son una banda de country rock formada en Springfield, Missouri, en 1972. Pero que nadie se lleve a engaño, no son la típica banda de country que a base de arpa de boca, banjo y violín anima veladas de whisky y bailes a la usanza de los que se montaban los pioneros del Far West en las largas y gélidas noches de viaje. En absoluto. Su sonido es una exquisita mezcla de country, rock y pop, tan perfectamente equilibrada, tan sutil, tan armoniosa y delicada, y tan sofisticada a un tiempo, que ha llevado a muchos críticos a considerarles nada más y nada menos que los Steely Dan del country. Es cierto. Sus discos son de una belleza aplastante. Cuando los Ozark Mountain se proponen componer una balada, un tema intimista, plácido, evocativo –y sus discos están llenos de ellas–, dejan muy atrás las mejores marcas obtenidas por bandas como The Eagles, America, Poco o Jackson Browne. Una afirmación de este calibre puede parecer gratuita, pura exageración, pero no lo es. Su juego vocal provoca asombro, es perfecto; su destreza y finura instrumental es de sacarse el sombrero; su talento como arreglistas, sencillamente portentoso. Poseen una abultada discografía, que llega prácticamente hasta la actualidad. A día de hoy, los Ozark Mountain Daredevils viven semi retirados. Varias veces al año se reunen, dan algún concierto que atrae a gente desde las cuatro esquinas de Estados Unidos, graban algún disco, y viven de la aureola mágica que han creado a lo largo de más de treinta años de actividad. No son en absoluto conocidos por el gran público, al menos no lo son más allá de los círculos de aficionados al country y a la buena música americana. Y es una pena. Confieso que de todas las bandas y artistas que he conocido a lo largo de cuarenta años dedicado plenamente a coleccionar discos, los Ozark están en el Top Ten de mis preferencias. Acompañan a estas líneas sus cuatro primeros álbumes. Que nadie se pierda la oportunidad de descubrir esta maravilla de maravillas. Vuestra deuda con ThatWasMusic será eterna. Lo sé.

Más información sobre The Ozark Mountain Daredevils
Página oficial del grupo Más información en All Music Comprar los discos de The Ozark Mountain Daredevils

Just For Testing Purposes
Listen The ozark Mountain Daredevils (1973) Listen "It´ll Shine when it Shines" (1975) Listen "The Car Over the Lake Album" (1975) Listen "Men From Earth" (1976)

All these links, found on the Net, belongs to other blogs and music sites (Visit the excellent site The Turntable and the page with the original links of the Ozark Mountain Daredevils if you want to download more records) ThatWasMusic don´t host, store or upload any file. We just look for you. Remember that you should buy the records if you like what you hear. Support the artists.

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lunes, 16 de noviembre de 2009

THE SONG OF ETERNAL NUMBERS

"HIGHDOWN FAIR" IS PROBABLY THE BEST ALBUM RECORDED BY THE ITALIAN COMPOSER AND VIRTUOSO ANGELO BRANDUARDI IN THE SEVENTIES. MUSIC & POETRY HAND IN HAND.

Estoy seguro de que en más de una ocasión –sobre todo cuando los discos eran discos, y las carátulas, carátulas–, todos hemos acabado comprando el álbum de un artista o grupo desconocido basándonos en las sensaciones que nos transmite la imagen o el diseño de la portada. El papel del caramelo, vaya. Según el tipo de dibujo, la fotografía o las tipografías empleadas, uno conseguía hacerse una idea, por lo general bastante acertada, del contenido. Cuando en 1976 vi la portada de "Highdown Fair", tercer trabajo de estudio del compositor, cantante, violinista y musicólogo italiano Angelo Branduardi, supe que la música de sus surcos debía ser algo realmente excepcional; a buen seguro, próximo a la música clásica, tal vez renacentista; que sus diez temas serían frágiles como el buen cristal; que los arreglos y melodías se intuían memorables. De algún modo entendí que esa portada envolvía un contenido introspectivo, lleno de luces y de sombras. No me equivoqué. Angelo Branduardi llegó a grabar tres versiones de esta bellisima obra de arte. Una, obviamente, en italiano; una segunda, en francés; y la que nos ocupa, para el mercado anglosajón. Las tengo las tres. Y no sabría con cuál de ellas quedarme. Tal vez, por deformación, con ésta, aunque las tres son perfectas. "Highdown Fair" es un álbum de folk o música de corte tradicional que linda en algunos momentos con el rock progresivo. No dista mucho –y esto sólo son apuntes para aquellos que no conozcan a Branduardi– de algunos pasajes sutiles de la Premiata Forneria Marconi ("Dove, Quando"), o de la belleza operística de un "Canto di Primavera" de Banco. Voces, violines, guitarras clásicas, teclados, flauta, percusión y arreglos orquestales, visten composiciones aplastantemente hermosas, inolvidables. Temas que son inmediatos, ya que poseen, aun sin guardar relación con el género, la esencia del mejor pop. Todo en "Highdown Fair" es pura acuarela poética. Baste decir que el disco forma parte del acervo cultural italiano, como un "Photos of Ghost" de PFM. Y que cuando Branduardi y sus músicos atacan en directo la monumental "The Song of Eternal Numbers" –la pieza más ambiciosa del álbum–, la ovación es histórica. Este es el disco a escuchar al caer la tarde, junto al fuego, mientras la lluvia y las luces del mundo exterior crean un fascinante entramado de formas calidoscópicas en el cristal. No te lo pierdas. No te arrepentirás jamás. Y si te gusta, haz el favor de comprarlo.


Página oficial de Angelo Branduardi
Más información en All Music
Comprar "Highdown Fair"

Just for Testing Purposes
Listen "Highdown Fair"
Link found in Vlasdance

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sábado, 7 de noviembre de 2009

NICK DRAKE, FOOTSTEPS IN THE SAND

TO SEE A WORLD IN A GRAIN OF SAND, AND A HEAVEN IN A WILD FLOWER, HOLD INFINITY IN THE PALM OF YOUR HAND, AND ETERNITY IN AN HOUR William Blake (Auguries of Innocence)

El 25 de noviembre de 1974 –en pocos días se cumplirán 35 años– murió el músico y compositor británico Nick Drake en la habitación que ocupaba en la casa de sus padres. Al parecer, una sobredosis de un antidepresivo provocó el óbito. Desde entonces, especular si se trató de un desgraciado accidente o de un suicidio ha sido una constante. Nunca se sabrá, aunque todo apunta a que Nick estaba cansado, sin fuerzas, sin ganas de seguir luchando por una carrera en la que había puesto toda su ilusión sin que el más mínimo rédito –léase éxito, reconocimiento, ingresos– viniera a compensar tanto esfuerzo. Este joven tímido, huidizo, que jamás quiso conceder entrevistas ni actuar a fin de promocionar su música, tenía, a decir de su hermana, una "piel demasiado fina". La metáfora sirve para ilustrar su carácter solitario, introspectivo, etéreo. Nick nunca encajó bien en el mundo y el suyo es el perfecto ejemplo de cómo el exceso de sensibilidad puede convertir la existencia en un infierno. Todos a su alrededor estaban convencidos de su extraordinario talento, de la belleza de sus canciones, otoñales, puras. En Island records creían en él, a pesar de que las ventas de su primer álbum, "Five Leaves Left" ("Quedan cinco hojas", en referencia al papel de fumar), fueron muy discretas, y de que "Bryter Layter", su segundo trabajo, publicado un año después, en 1970, había corrido igual mala suerte. Ninguno de esos dos discos sobrepasó las 5.000 copias. Joe Boyd, su célebre productor, le solía animar diciéndole que era una verdadera estrella, que era imposible que el mundo no terminara descubriéndole y rindiéndose ante la inefable belleza de su música. Estaba tan convencido de la extraordinaria calidad de la obra de Nick que incluso llegó a incorporar una claúsula en su contrato, por la que Island se comprometía a no retirar jamás de su catálogo los discos del joven. Pero Nick estaba condenado a reinar en el futuro, tras su muerte, como muchos héroes o muchos mitos. Apenas tenía dinero, ni para unos zapatos. Pasaba los días con sus libros y su guitarra, fumando hierba y maldiciendo su destino. En su última época, se recuperó brevemente, anunció que estaba dispuesto a volver a un estudio de grabación. Y así fue. En cuatro horas, repartidas en dos sesiones nocturnas, grabó un álbum final, desnudo, sólo con su voz y su guitarra. Una media hora de música. Dicen que dejó las cintas de "Pink Moon" (1972) en la recepción de Island Records y que llegó a afirmar que tras ese trabajo ya no tenía nada más que decir. El disco vendería aún menos que los dos anteriores. Después sobrevino el trágico final y nació la leyenda. Años después, su nombre acabó trascendiendo los restringidos círculos que alimentan cultos minoritarios y sus canciones comenzaron a sonar. Sus tres trabajos oficiales, más un álbum llamado "Time of no Reply" (que contiene, junto a versiones alternativas y grabaciones caseras cuatro temas que Drake grabó de forma póstuma antes de morir), se editaron en una caja llamada "Fruit Tree" (1986). En el año 2000, llegaría el éxito... ¡Qué burla, qué desatino supone que un formidable músico y poeta triunfe debido a que Wolkswagen decidió usar una de sus canciones en un spot de televisión! Hoy, en definitiva, todo el mundo admira, venera y reverencia el nombre de Nick Drake; se rebusca en archivos, en bovinas y en cassettes, intentando hallar material desechado; se suceden las recopilaciones, los homenajes, los documentales. Y toda una nueva generación de músicos admite estar en deuda con su música. Nick Drake fue un William Blake intimista, un Rimbaud elegante, de belleza y maneras casi andróginas, un compositor monumental. Puede sonar pasional y excesivo por mi parte, pero confieso que tras más de cuarenta años escuchando música recuerdo pocos artistas tan auténticos, puros y honestos. Su voz de terciopelo, tremendamente humana, frágil, capaz de traspasar soledades y transmitir miedos o alegrías, me emociona. Nunca habrá otro como él.

Más información sobre Nick Drake en All Music Página Oficial de Nick Drake Página de apoyo al artista Comprar los discos de Nick Drake

The albums of Nick Drake (Just for Testing Purposes)
Listen "Five Leaves Left" (1969)
Listen "Bryter Layter" (1970)
Listen "Pink Moon" (1972)
Listen "Time of no Reply" (1986)

These Links by Courtesy of The Long Desert Train











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lunes, 2 de noviembre de 2009

IT´S A BEAUTIFUL DAY

THE FIRST ALBUM OF IT´S A BEAUTIFUL DAY, IS A MUST FOR ANY SERIOUS COLLECTOR. DON´T MISS THIS JEWEL

A finales de los setenta, no recuerdo exactamente la fecha, tuve la oportunidad de compartir unas pocas horas con Ian Gillan, voz de la formación clásica por antonomasia de Deep Purple. Charlamos de muchas cosas, y se mostró encantado cuando le dije que durante años, en España, era habitual ver a muchos jovenes llevando "Made in Japan" bajo el brazo. Le formulé muchas preguntas, pero una en concreto me costó verbalizarla. No quería usar la palabra plagio, así que dando rodeos le conté que había reparado en la extraordinaria semejanza entre la melodía de "Sweet Child in Time" de Deep Purple con una pieza llamada "Bombay Calling", del álbum "It´s A Beautiful Day", disco clásico de It´s A Beautiful Day, banda formada en San Francisco en 1967. Se echó a reír de buena gana y, tras alabar mi delicadeza, contestó: "Sí, "Sweet Child in Time" es "Bombay Calling". Todo en esa canción nos fascinó: el ritmo contenido, la melodía, los espacios vacíos. Escribimos una letra y la utilizamos. Ese álbum es una joya, de principio a fin". Le pregunté, entonces, si les habían denunciado por plagio. Sonrió con malicia y explicó: "No. Pensábamos que lo harían, pero no lo hicieron; de todos modos se vengaron a su manera: en su siguiente álbum se inspiraron descaradamente en uno de nuestros temas..."
Contada la anécdota, permitid que Ian Gillan y Thatwasmusic recomienden, al unísono, la escucha plácida y pormenorizada de este bellísimo disco a todos aquellos que no lo conozcan. It´s a Beautiful Day fueron un sexteto liderado por el cantante y violinista David LaFlamme. Irrumpieron en plena efervescencia del llamado "Summer of Love", rebelión social y política cuyo rostro histórico fue el del movimiento hippie; un crisol de música, cultura lisérgica, creatividad artística y estilos de vida alternativos. A pesar de que el grupo cuenta en su haber con bastantes discos, ninguno puede ser comparado a éste. Absolutamente mágico, sorprendente, original y perfecto de principio a fin. "It´s a Beautiful Day" no puede faltar en la discoteca de ningún amante de la Gran Música. Y cuando paséis por una tienda, compradlo, por favor.




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jueves, 29 de octubre de 2009

THE INCREDIBLE STRING BAND






















I WON´T NEED TO KISS YOU WHEN WE´RE THERE. ALL WILL BE ONE, OVER IN THE OLD GOLDEN LAND


Recuerdo los rostros y reacciones de algunas personas con las que coincidí una noche, a mediados de los años setenta, en el legendario Marquee Club de Londres. Aquel día tocaba Mike Heron, o lo que es lo mismo: la mitad de la Incredible String Band (ISB, 1965-1974). No me lo hubiera perdido por nada del mundo. Entrevisté a Mike en un cochambroso camerino junto al escenario, y al día siguiente pasé la tarde en su casa, tomando café y charlando de los gloriosos días que Robin Williamson y él habían compartido al frente del mítico grupo. Podría contar muchas cosas de aquel encuentro, pero prefiero centrarme en esas personas a las que me he referido antes. Cuando poco más tarde Heron salió a escena, me asombró el hecho de ver llorar a muchos de los que estaban entre el público. Lloraban como niños. Y durante las siguientes dos horas, cada vez que Mike intercalaba entre sus temas alguna pieza clásica de la Incredible String Band, los ojos acuosos brillaban en la penumbra del local como cristales. Era un llanto agridulce, entre feliz y melancólico. Vi como muchos de ellos se abrazaban como hermanos sin conocerse. Sirva esta preciosa anécdota para ilustrar lo que la Incredible String Band representó: un faro en la oscuridad; ese libro que revela; esa palabra que ilumina y es pronunciada cuando más se necesita; la mano que nos salva del abismo en el último instante. Todos los enamorados de la Increible Banda de Cuerda, reconocen y proclaman, en sus encuentros, que conocer su música les cambió la vida por completo, les salvó y les permitió ver, con la claridad diáfana del ácido lisérgico, la sacra belleza del mundo. Probablemente más de uno se pregunte a qué es debido tanto culto y tanta mística alrededor de la ISB. Precisamente a eso, a la mística que inunda su música. Mike y Robin, dos hippies pulcros y encantadores, y Rose Simpson y Licorice McKechnie –sus compañeras tanto en lo musical como en lo sentimental–, celebraban la vida por todo lo alto. Sus canciones son un brindis al sol, pura felicidad, auténtica bondad; un elogio psicodélico y esotérico al amor, al ser humano y a la naturaleza. Con acústicas, tabla hindú, teclados, sitar, violín, flautas, y una cincuentena de instrumentos exóticos arropando sus prodigiosas armonías vocales, cantaban sobre lo irrepetible del momento; loaban la mística del aire y las aguas; caminaban por senderos abiertos por los mismos ángeles, y ponían sobre el pentagrama, en forma de notas, la serenidad y el misterio que acompaña la búsqueda personal, el auto descubrimiento que nos lleva a tomar conciencia de nuestra relación con el Universo, y a hermanarnos en una visión holística con todo lo existente, más allá del espejismo del ego. La Incredible String Band, hermosa asociación de bardos y seres estelares, entendía la música como la máxima expresión de la alegría y maravilla de ser. Los discos que dejaron en herencia son, por tanto, bofetadas de pureza difíciles de asimilar a día de hoy, en medio del negro materialismo de este mundo indigno y carente de principios. La Incredible String Band fue la banda sonora original de la Creación; el acorde perfecto del Edén; una ráfaga de aire fresco de la Arcadia bucólica y tántrica, en la que ningún demonio, tristeza o resquemor podía tener cabida; la canción mágica y adorable del Jardín de las Hespérides. Por eso, los iniciados, al escucharlos, invariablemente evocan la Arboleda Perdida y... lloran.

Página oficial de la Incredible String Band
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