TODD RUNDGREN, A TRUE STAR

THE ALBUMS OF TODD RUNDGREN ARE A MUST FOR ANY COLLECTOR AND LOVER OF THE GOOD MUSIC DID IN THE 70´S. AN ECLECTIC MIX OF PROG-ROCK, POP & SOUL. THERE´S NOTHING LIKE THIS, NOR EVEN REMOTELY...

Músico extraordinario, multinstrumentista virtuoso, productor, cantante y compositor capaz de sorprender tras casi cuarenta años grabando discos, Todd Rundgren es una de las figuras esenciales del rock progresivo, el pop progresivo, el pop, la música electrónica y de vanguardia, de la escena estadounidense. Creo que a pesar de que sus fans en todo el mundo son legión, es un gran desconocido para muchos. Para mí, que llevo cuatro décadas sin perderle la pista, es una figura carismática, esencial e irrepetible en la historia del rock. ¿Qué tiene Todd Rundgren? ¿Cómo explicar la maravilla que son sus discos de los setenta? ¿Cómo definirle? Es imposible. Al igual que ha hecho Bowie a lo largo de su carrera, Todd se ha reinventado a cada paso dado, disco tras disco. Su trilogía esencial de la primera mitad de los setenta está conformada por "Something/Anything?" (1972), "A Wizzard, a True Star" (1973) y "Todd" (1973), discos en los que él se erige máximo artífice, grabando todos los instrumentos y voces, actuando como ingeniero de sonido y productor; trabajos en los que fusiona magistralmente conceptos instrumentales propios del rock progresivo, junto a baladas, rhythm & blues, soul y pop. A partir de ese momento, su talento se repartirá entre sus discos en solitario y los grabados junto a su grupo Utopia, banda con tres teclistas que debuta con un formidable y demoledor álbum de igual título; auténtica joya del progresivo que no debe faltar en ninguna colección. Todd, un auténtico brujo, no dejará de sorprender a lo largo de los siguientes años: discos de baladas ("Faithful"); sublimes obras maestras de pop-rock sinfónico ("Hermit of Mink Hollow" y "Healing") y álbumes en los que grabará todos los instrumentos con su voz ("A Cappella"). Introducirse en la música de Todd Rundgren es un deber para todo aquel que se precie de poseer un gusto exquisito en cuestión de sonido. Sus trabajos son pura originalidad, cautivadores de principio a fin; su voz, su forma de cantar, es deliciosa. Una balada de Todd Rundgren es capaz de derrumbar muros. Sus letras no tienen desperdicio. Es, en definitiva, un músico fascinante. Si no sabes por dónde empezar, hazlo por su doble "Something/Anything?", lleno de baladas, tempos medios y deliciosos pasajes de pop instrumental. Si te gusta su trabajo (y te va a dejar con la boca abierta), compra sus discos. No dejes de hacerlo.

Más información:
Página oficial de Todd Rundgren • Más información en All Music • Comprar discos de Todd Rundgren

Only for Testing Purposes:
Listen "Something/Anything?" (1972) • Listen "A Wizzard, a True Star" (1973) • Listen "Todd" (1973) • Listen "Utopia" (1974) • Listen "Iniciation" (1975) • Listen "Hermit of Mink Hollow" (1978) • Listen "Back to the Bars" (1978) • Listen "Healing" (1981)

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AMAZING BLONDEL, BELLEZA BRITÁNICA

DELICADOS Y PRECIOSISTAS, EMPEÑADOS EN LA PERFECCIÓN, DOTADOS DE UNAS VOCES ÚNICAS, INSTRUMENTISTAS CONSUMADOS, AMAZING BLONDEL SON, JUNTO A STEELEYE SPAN, LO MEJOR DEL FOLK TRADICIONAL BRITÁNICO. SU MÚSICA ES COMO UNA ACUARELA DE TURNER O COMO UN PASEO POR LA CAMPIÑA INGLESA CUANDO LA PRIMAVERA ESTRENA VESTIDO NUEVO. SENCILLAMENTE EXCEPCIONALES.

AMAZING BLONDEL existed throughout the early seventies. Originally formed by John David GLADWIN, Terry WINCOTT and Eddie BAIRD after leaving another even more obscure band called METHUSELAH. For these three, the band was essentially a three piece singing and playing krumhorns, recorders, lute, theorbo, guitars, dulcimers, flute, piano, harpsichord, mellotron, organ, tabor, cittern tubular, bells, glockenspiel and percussion. English mostly acoustic 1969-76. Middle-age renaissance guitar, organ and other instruments, multipart harmony vocals, etc., bordering on the prog movement in England at the time. The musicians had earlier played rock and thus the music cannot be termed classical either. Among lots of famous guest musicians can be named Boz Burrell, Eddie Jobson, Steve Winwood and Mel Collins.
"The Amazing Bondel" was a collection of soft acoustic rock numbers that included one medieval-styled song that seemed to go over better than anything else, and that was the direction they aimed for in their future releases. "Evensong" is a folk album that harked back to the Middle Ages and the Renaissance. Madrigals and ballads performed on period instruments became their specialty and the trio's creative ideas led to the concept album "Fantasia Lindum", which belongs more to progressive-rock than to folk-rock. "England" used the same technique to craft elegant, lushly-arranged pop songs. GLADWIN left and the surviving duo veered towards STEELEYE SPAN's hard-folk with "Blondel", entirely composed by BAIRD, "Mulgrave Street", "Inspiration", "Bad Dreams". The band reunited 21 years later for "Restoration" (1997), an album which harkens back to their halcon days.
Their third and fourth albums "Fantasia Lindum" and "England" represent the most musically sophisticated of the material, which any progressive fan without an aversion to folk music should have no trouble enjoying. Most fans of early GRYPHON, JETHRO TULL, FAIRPORT, and other British folk rock will be delighted with this band. • TEXT by PROG ARCHIVES

Más información
Página oficial de Amazing Blondel • Página Fantasia Lindum de Amazing Blondel • Más información en All Music • Comprar álbumes de Amazing Blondel

Just for Testing Purposes
• Listen "Evensong" (1971) • Listen "Fantasia Lindum (1972) • Listen "England" (1972) • Listen "Blondel" (1973) • Listen "A Foreign Field That Is Forever England (Live Abroad 1972-73)" (1996) • Listen "Restoration" (1997)

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MICK TAYLOR, STONE ALONE

EDITADO EN 1979, EL PRIMER ÁLBUM EN SOLITARIO DE MICK TAYLOR, TRAS SU SALIDA DE LOS ROLLING STONES, ES UN AUTÉNTICO CLÁSICO A CABALLO ENTRE EL ROCK, EL BLUES ACÚSTICO Y EL JAZZ. UNA VERDADERA JOYA, INAGOTABLE Y PERFECTA DE PRINCIPIO A FIN.

"This is truly an excelent album. Mick Taylor songwriting, guitar playing and vocals are all superb. Mick Taylor is one of the most expressive guitar players I have heard. I've owned a tape of this for the last 20 years, and every so often, I get it out and listen to it. I always enjoy it. The music has such depth. Particularly the instrumental songs (3 of 8 on the albumn). Spanish/A minor is a masterpiece of mixing guitars, piano, and synthesizers with changing themes and varying intensities. Leather Jacket and Broken Hands are excellent rock and roll songs." (Amazon review)

"When Mick Taylor left the Rolling Stones he took their heart and soul with him. Nothing they've done without him rocks as hard as Broken Hands and the country blues of Alabama contains some incredible slide guitar that would have fit perfectly on Exile On Main Street. Gorgeous playing throughout this wonderful album." (Amazon review)

"Taylor finally got around to launching a solo career. 1979 saw the release of his self-titled debut, which is often considered to be the finest of his solo releases" (AllMusic review)

Más información
• Página oficial de Mick Taylor • Mick Taylor en AllMusic • Comprar "Mick Taylor"

Just for Testing Purposes
• Listen "Mick Taylor" (The Link belongs to Ramblersplace)

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JOHN ENTWISTLE, BEST ROCK BASSIST

THE QUEST FOR THE BEST BASS GUITAR OF ROCK HAS A WINNER, CLAP YOUR HANDS TO MR. JOHN ENTWISTLE

Pocas sorpresas, por no decir ninguna, ha deparado la votación de los amigos y visitantes de ThatWasMusic a la hora de elegir al mejor bajista del rock de todos los tiempos. El gran John Entwistle –considerado en otras encuestas como el "bajista del Milenio"– se ha alzado con el galardón, no sin competir enconadamente a lo largo de todo un mes con Jack Bruce, Jaco Pastorius, Chris Squire y John Paul Jones; todos ellos seguidos de cerca por Stanley Clarke, Tony Levin y Roger Waters. Se diría que el resto de músicos que integraban la lista parecían haber sido borrados del mapa, como por arte de ensalmo. Tal ha sido la concentración de votos. Tras la elección de Jimi Hendrix como mejor guitarra del rock, hace un mes, el grupo de super estrellas se va completando poco a poco. Ya tenemos al gran bajista de The Who, apodado "The Ox", al bajo. Habrá que ver quién se sienta a la batería y a los teclados, en próximas encuestas. Y quién se atreve a ponerse al frente de todos ellos y... cantar.

Resultados de la encuesta:
LOS 5 MEJORES BAJISTAS DEL ROCK
Participantes: 148 personas • Votos emitidos (5 por persona): 740 votos

1. John Entwistle (58 votos, 39%) • 2. Jack Bruce (54 votos, 36%) • 3. Jaco Pastorius y Chris Squire (52 votos cada uno, 35%) • 4. John Paul Jones (50 votos, 33%) • 5. Stanley Clarke (48 votos, 32%).

Más información:
Excelente artículo de bassguitar.com sobre John Entwistle • Artículo sobre Entwistle y su técnica como músico • Página personal de John Entwistle

Just for testing purposes:
• Listen the first album (1971) of John Entwistle "Smash Your Head Against The Wall" Japan SHM-CD Mastering (The Link belongs to the excellent blog Small Town Pleasures)

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GRYPHON, MIDDLE AGE PROG

UN MARAVILLOSO GRUPO DE FOLK PROGRESIVO, A MEDIO CAMINO DE LAS BELLÍSIMAS ARMONÍAS VOCALES DE AMAZING BLONDEL Y LA CONCEPCIÓN VANGUARDISTA DE GENTLE GIANT. "RED QUEEN TO GRYPHON THREE" ES UNA JOYA IMPRESCINDIBLE EN CUALQUIER COLECCIÓN.

GRYPHON was founded in 1973 by Richard HARVEY (recorder, keys) and Brian GULLAND (bassoon, krumhorn) after a stint at the Royal Acadamy of Music. They shared a vision of blending traditional English folk, Baroque instrumentation and Renaissance music in a modern format. The compositions resemble those of Gentle Giant but give greater emphasis to the authentic textures and sounds of the Renaissance period. Harvey and Gulland were joined in 1973 by Graeme TAYLOR on guitar and singer/percussionist David OBERLE for their all-acoustic first album 'Gryphon'. Bassist Philip NESTOR was added to the line up in 1974 for their second effort 'Midnight Mushrumps', which featured an increased number of original compositions and leanings in a rock direction. Later that year their classic 'Red Queen to Gryphon Three' was released and has become a prog rock staple with its longer, somewhat more symphonic arrangements and courtly instrumental rock. The mid-1970s brought big changes to the band with new bass player Malcom BENNET taking over for Nestor. In 1977, guitarist Graeme Taylor left to be replaced by Bob FOSTER, bassist Jonathan DAVIE replaced Bennett, and Oberle switched to lead voice with Alex BAIRED taking over on drums. Tim SEBASTIAN was also brought in as a lyricist to complete the ever-growing unit. 'Raindance' was released in 1975 and 'Treason' in '77, establishing GRYPHON as a top-notch prog rock act. With a seamless fusion of British folk and medieval rock, GRYPHON developed a strong sound all their own and a loyal following.
Text by Atavachron (David) from Progarchives

Más información
Más información en All Music • Comprar discos de Gryphon

Just for Testing Purposes
Listen "Gryphon" (1973) • Listen "Red Queen to Gryphon Three"
(Bitrate: 320 • Japan Mini LP Art Rock Series)
JPN Mini LP covers with OBI here and here

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ALL THOSE CONCEPT ALBUMS

THE "CONCEPT ALBUM FEVER" WAS THE MOST CURIOUS AND CREATIVE TENDENCY OF ROCK MUSIC THROUGHOUT THE SEVENTIES...

Si alguna enfermedad, fiebre o locura, afectó por igual a todos los artistas y grandes grupos desde finales de los sesenta hasta la segunda mitad de la década de los setenta, ésa fue, sin duda alguna, la tendencia obsesivo compulsiva por los llamados "Concept Albums", discos creados alrededor de un eje o nexo temático. Se grabaron a patadas, hasta la saciedad, de todos los gustos, tamaños y colores. Y el gran público los recibía fascinado. Esa etiqueta bastaba para que los aficionados abrieran la boca con desmesura y enarcaran las cejas en señal de asombro y reverencia. Artistas como The Beatles, Alan Parsons, The Kinks, Alice Cooper, Kate Bush, Camel, ELO, Gentle Giant, Elton John, Moody Blues, Mike Oldfield, y una interminable lista (consultar enlace al pie de estas líneas) de infectados, pusieron todo su empeño en no ser menos que nadie y no quedar fuera de la moda. Se diría que si uno no grababa un "álbum conceptual" no contaba. A las obras de carácter instrumental ("Tubular Bells", "The Snow Goose", "The Six Wives of Henry VIII"), se unían ambiciosos proyectos generacionales ("Tommy" y "Quadrophenia" de The Who); excesos paranoides ("The Wall" de Pink Floyd); viajes surrealistas ("The Lamb Lies Down on Broadway" de Genesis); rituales místicos y metafísicos ("Tales from Topographic Oceans" de Yes); óperas teatrales ("Thick as a Brick" y "A Passion Play" de Jethro Tull) o extravagancias galácticas ("The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars" de David Bowie). A favor de toda esa corriente, y también como forma de explicar el fenómeno, se podría alegar que el afán por la creatividad, el talento compositivo, y el virtuosismo, eran moneda común en esa época. Existía, además, un factor intelectual, un ánimo revulsivo, una postura generacional, que acompañaba al arte y lo nutría. Dicho de forma simple: aún quedaban cosas por decir. En la actualidad, nadie, o casi nadie, tendría arrestos ni capacidad para enfrentarse a retos de esa índole, en forma de doble álbum. Tanto mejor. Dios nos libre de que cualquier imbécil de la MTV se sienta sublime de golpe al descubrir que su coeficiente intelectual casi iguala al de los monos. Carcajada de ThatWasMusic. Volviendo a los "Concept álbums", y para terminar, resta confesar, y eso es algo que cada uno se debe responder, qué relación mantenemos con ellos a día de hoy, más de treinta años después de su edición. Personalmente los contemplo con afecto. Ahí están, ocupando un puesto de honor en mi colección, aunque no sea capaz de escucharlos más que de tarde en tarde, y, rara vez, enteros. Algunos no han resistido el paso de los años, a pesar de ser modélicos... ¿quién se sienta ahora mismo y se traga "Journey to the Center of the Earth" de Rick Wakeman de un tirón? ¡Glubbbs!

Más información:
Lista de álbumes conceptuales de Wikipedia • Top 14 Greatest Rock Operas/Concept Albums of All Times • The Best Concept Albums by Rolling Stone • Comprar los álbumes relacionados en este artículo.

Just for Testing Purposes
• Listen "The Lamb Lies Down on Broadway" Part 1 and Part 2 (Link found in Viajeprogre Password: http://viajeprogre.blogspot.com) • Listen "The Wall" Part 1 and Part 2 (Link found in Poisonbeat) • Listen "Tales from Topographic Oceans" (Link found in Taringa) • Listen "Tommy" (Link found in Taringa) • Listen "The Six Wives of Henry VIII" (Link found in Delentrepiso) • Listen "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars" (Link found in puraoreja Password: puraoreja) • Listen "Joe´s Garage" Part 1 and Part 2 (Link found in Stuckonmars) • Listen "Thick as a Brick"

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JON ANDERSON, THE GATES OF SUNHILLOW

THE FIRST SOLO EFFORT OF JON ANDERSON REMAINS AS A MILESTONE IN HIS CAREER, A CONCEPT ALBUM FULL OF BEAUTY AND FANTASY

"Olias of Sunhillow", el primer disco en solitario de Jon Anderson, líder y voz de Yes, apareció en 1976. De hecho, todos los miembros del grupo hicieron su debut como solistas prácticamente al mismo tiempo. Tras el extenso tour que siguió a la edición de "Relayer", y con la banda en el cenit de su carrera, se imponía un descanso. Gozaban de una reputación extraordinaria, despertaban pasiones y copaban anualmente los primeros puestos en todas las categorías. Cada año, Melody Maker los aupaba al podio: "Mejor voz, Jon Anderson"; "Mejor guitarrista, Steve Howe", Mejor bajista: "Chris Squire", "Mejor compositor: "Anderson/Howe"; amén de mejor álbum, mejor teclista, arreglos, etcétera. Y es que en los setenta, al menos entre el 72 y el 77, y coincidiendo con el máximo apogeo del rock progresivo, Yes reinaron casi en solitario, superando en popularidad y éxito a King Crimson o a Genesis. Incluso Anderson y Howe llegaron a bromear sobre el tema. En una entrevista, hecha durante la grabación de "Tales", un periodista español les preguntó cuál era la diferencia entre ellos y Genesis. Se rieron y contestaron: "Bueno, ellos son un poco más, eh..., rústicos". La afirmación se entiende si se piensa en que un halo místico envolvía a Yes en aquellos días. Sus letras, a caballo entre lo críptico y lo poético, cósmicas, épicas; las portadas oníricas de sus discos; los universos que Roger Dean creaba para sus giras; su espectacular música –realmente muy adelantada a su tiempo, incluso en ocasiones incomprendida, como en el caso de "Tales From Topographic Oceans"–; sus declaraciones y su estilo de vida, les convertían en un punto y aparte. Yes era Yes. Y el resto, el resto. Cuando apareció "Olias of Sunhillow", el álbum fue considerado la quintaesencia del "universo Yes" y la crítica se deshizo en halagos. Anderson había grabado el disco en la soledad de su estudio, como un alquimista en su laboratorio, experimentando, viéndoselas con todos los instrumentos, exprimiendo la todavía exigua tecnología de la época al máximo. El resultado: un álbum conceptual que podría ser la banda sonora perfecta del universo lisérgico creado por James Cameron en Avatar –universo que está en deuda evidente con los mundos orgánicos y las islas flotantes creadas por Roger Dean–; un puñado de canciones telúricas y ritmos tribales, compuestos para dibujar un planeta agónico llamado Sunhillow, cuya raza deberá partir guiada por Olias en la Moorglade Mover, en un éxodo hacia el sol central. "Olias of Sunhillow" es un álbum que ha resistido excepcionalmente bien el paso de los años. Un trabajo en el que el todo, el conjunto, es más importante que las partes que lo integran. Posee momentos de inefable belleza. Es luminoso y mágico, hipnótico, metafísico. Y es comúnmente reconocido como el mejor trabajo de toda la carrera de Jon Anderson. No dudes en comprarlo. Es un disco memorable.

Más información
• Página oficial de Jon Anderson • Página sobre el álbum • Página con las letras del disco • Más información sobre Jon Anderson en All Music • Comprar "Olias of Sunhillow"
Just for testing purposes:
• Listen "Olias of Sunhillow"

The link of "Olias of Sunhillow" belongs to Lossobrinosdetarantino. ThatWasMusic don´t host, store or upload any file. We just search the web for you. Remember that you should buy the record if you like what you hear. Support the artists.

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GREGG ALLMAN, BLUE EYED SOUL

"LAID BACK", THE FIRST SOLO ALBUM RECORDED BY GREGG ALLMAN IN 1973, IS ONE OF THE BEST "BLUE EYED SOUL RECORDS" OF ALL TIMES

Mirando hacia atrás, admitiré por vez primera en mi vida que le debo algo al punk, al tecnopop, a los new romantics y a todos los cretinos que poblaron el panorama musical de finales de los setenta. Esos mediocres me hicieron un gran favor; un favor inmenso: me regalaron Tiempo. Me explicaré. Cuando la Gran Música –ya sea rock, rock progresivo, folk rock, psicodelia, jazz rock, blues, rhythm & blues, o cualquier género de calidad hecho entre los sesenta y los setenta– entró en declive a raiz de la llegada de Juanito el Podrido y sus hordas de tarugos con piercing, la industria apostó por la vanalidad más absoluta en aras de la "modernidad". Durante años nos machacaron con grupos horrososos; hordas de drogados berreadores cargados de cadenas, y locas con teclado, gomina, abanico y rimmel. Es un hecho históricamente comprobable que buena parte de la Gran Música quedó estigmatizada. Decir en voz alta, en los ochenta, que "Selling England by the Pound" o "Made in Japan" o "Houses of the Holy" eran obras maestras conllevaba que todo el mundo te mirara con absoluta perplejidad y desprecio. Algún día llegaremos todos a la conclusión de que la década de los ochenta fue (salvo honrosas y muy dignas excepciones) realmente nefasta a nivel musical. Ante la falta de discos memorables, yo, como coleccionista, me dediqué a investigar en el pasado, a escuchar cosas que se me habían escapado. Así fue como descubrí, casi diez años después de su edición, la existencia de "Laid Back" (1973), primer álbum en solitario de Gregg Allman. Hasta la fecha no me había perdido ninguna grabación de los Allman Brothers; tampoco las dos antologías de Duane Allman y otras colaboraciones hechas por el excepcional y malogrado guitarrista..., pero, mierda, no había reparado en el trabajo de su hermano Gregg en solitario. Cuando cayó este álbum en mis manos me tiré de los pelos: ¡Casi diez años perdidos, sin reparar en esta joya, que contiene algunas de las canciones de amor más bellas y espectaculares que he escuchado en toda mi vida! Gracias al cielo, desde ese día –creo que fue en el verano de 1981– jamás he viajado sin "Laid Back". Lo grabé en cassette, y alimentó mi walkman Sony durante años; animó viajes; solucionó regalos. Recurro a él desde entonces, cada vez que el cerebro y el corazón me piden algo pasional, auténtico y eterno. Rhythm & Blues inmenso, insuperable, con un poderoso toque "Blue Eyed Soul" –soul de ojos azules–, romántico y sofisticado, y un redentor y feliz grito de gospel capaz de hacer bailar a los muertos. Tras este disco, en 1974, Gregg emprendió una gira promocional de "Laid Back", al margen de los Allman, cuyo fantástico documento sonoro es "The Gregg Allman Tour", obra maestra en la que el cantante, teclista, guitarrista y compositor, es acompañado por una orquesta de 24 músicos, y que se editó en formato de doble álbum. Puedo asegurar que de haber sido músico, y no escritor, hubiera dado cualquier cosa por componer alguna de las monumentales canciones que estos dos trabajos encierran. No lo dudéis, estas dos grabaciones son un deber para todo aquel que quiera morirse en paz, sabiendo que se lleva lo esencial de este mundo. Por todo eso, muchas gracias a Juanito el Podrido; gracias por llenar el mundo de mierda sonora y darme la oportunidad de entretenerme buscando perlas como éstas.

Más información
Página oficial de Gregg Allman • Página oficial de The Allman Brothers Band • Más información sobre Gregg Allman en All Music • Comprar "Laid Back" y "The Gregg Allman Tour"

Just for Testing Purposes
Listen "Laid Back" • Listen "The Gregg Allman Tour" (Originalmente un doble álbum en un único CD - SHM CD JPN Remaster) Part 1 Part 2 Part 3 Part 4 (Password: ruskaval)

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THE OZARK MOUNTAIN DAREDEVILS

PROBABLY THE BEST COUNTRY ROCK BAND OF USA. IF YOU LIKE THE EAGLES, POCO, OR AMERICA, THE MUSIC OF THE OZARK MOUNTAIN DAREDEVILS IS A MUST FOR YOU. A PRICELESS JEWEL.

The Ozark Mountain Daredevils –tradúzcase como Los Temerarios del Monte Ozark– son una banda de country rock formada en Springfield, Missouri, en 1972. Pero que nadie se lleve a engaño, no son la típica banda de country que a base de arpa de boca, banjo y violín anima veladas de whisky y bailes a la usanza de los que se montaban los pioneros del Far West en las largas y gélidas noches de viaje. En absoluto. Su sonido es una exquisita mezcla de country, rock y pop, tan perfectamente equilibrada, tan sutil, tan armoniosa y delicada, y tan sofisticada a un tiempo, que ha llevado a muchos críticos a considerarles nada más y nada menos que los Steely Dan del country. Es cierto. Sus discos son de una belleza aplastante. Cuando los Ozark Mountain se proponen componer una balada, un tema intimista, plácido, evocativo –y sus discos están llenos de ellas–, dejan muy atrás las mejores marcas obtenidas por bandas como The Eagles, America, Poco o Jackson Browne. Una afirmación de este calibre puede parecer gratuita, pura exageración, pero no lo es. Su juego vocal provoca asombro, es perfecto; su destreza y finura instrumental es de sacarse el sombrero; su talento como arreglistas, sencillamente portentoso. Poseen una abultada discografía, que llega prácticamente hasta la actualidad. A día de hoy, los Ozark Mountain Daredevils viven semi retirados. Varias veces al año se reunen, dan algún concierto que atrae a gente desde las cuatro esquinas de Estados Unidos, graban algún disco, y viven de la aureola mágica que han creado a lo largo de más de treinta años de actividad. No son en absoluto conocidos por el gran público, al menos no lo son más allá de los círculos de aficionados al country y a la buena música americana. Y es una pena. Confieso que de todas las bandas y artistas que he conocido a lo largo de cuarenta años dedicado plenamente a coleccionar discos, los Ozark están en el Top Ten de mis preferencias. Acompañan a estas líneas sus cuatro primeros álbumes. Que nadie se pierda la oportunidad de descubrir esta maravilla de maravillas. Vuestra deuda con ThatWasMusic será eterna. Lo sé.

Más información sobre The Ozark Mountain Daredevils
• Página oficial del grupo • Más información en All Music • Comprar los discos de The Ozark Mountain Daredevils

Just For Testing Purposes
Listen The ozark Mountain Daredevils (1973) • Listen "It´ll Shine when it Shines" (1975) • Listen "The Car Over the Lake Album" (1975) • Listen "Men From Earth" (1976)

All these links, found on the Net, belongs to other blogs and music sites (Visit the excellent site The Turntable and the page with the original links of the Ozark Mountain Daredevils if you want to download more records) ThatWasMusic don´t host, store or upload any file. We just look for you. Remember that you should buy the records if you like what you hear. Support the artists.

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JETHRO TULL, LIFE´S A LONG SONG

LADIES & GENTLEMEN, HATS OFF! PLEASE, CLAP YOUR HANDS TO MR. IAN ANDERSON AND THE MAGNIFICENT JETHRO TULL

Recuerdo como si fuera ayer la extraordinaria sensación que supuso tener "Living in the Past" en mis manos, en 1972, una tarde en la que una amiga del curso de COU, de la que después nada más supe, me prestó ese célebre doble álbum recopilatorio de Jethro Tull, que reunía material en directo junto a singles, caras B y piezas procedentes de la primera época del grupo, aquélla más asentada en el rhythm & Blues y el folk rock que en los conceptos progresivos al uso. Imma, así se llamaba mi benefactora, lo había comprado en Andorra. Las tapas eran gruesas, de cartón, con lomo y textura que imitaba las estrías de la piel añeja. Sin duda uno de los mejores envoltorios que jamás haya tenido un disco. Creo que esa fue la primera vez en mi vida en que la atracción por un LP superaba mi interés por una mujer. De hecho, salí corriendo en dirección a casa, cruzando la ciudad como una exhalación, sin entretenerme ni en los besos. Aquella noche, en mi primer tocadiscos monoaural –un trotado Cosmos en forma de maletín cuya tapa era al tiempo el altavoz– quedé atrapado en los surcos de esta joya, y, lo que es aún más significativo, quedé irremisiblemente atrapado para siempre en el pasado. Al menos en lo musical. Y me alegro de esa "condena", pues ante la mediocridad musical del presente no me cuesta imaginar lo abominable que llegará a ser el futuro. Como dice el tema clásico de los Tull, la vida es una larga canción. Y desde ese lejano día al que me he referido, la música de Ian Anderson ha sido la mejor amiga y compañera de viaje. La copia de Imma acabó siendo protagonista de infinitas tardes de cubatas y amigos. Todos estábamos fascinados por el look de los Tull, que nada tenía que ver con el arquetipo de rock star al uso. Ian Anderson era la encarnación del perfecto beggar inglés o del clochard francés; andrajoso y zarrapastroso a más no poder; un storyteller extraordinario, capaz de encerrar las vivencias de toda una vida en un tema de menos de tres minutos. Con el paso de los años, muchos de los discos de la abultada discografía de este grupo decisivo e irrepetible se convirtieron en clásicos de mi discoteca, pero confieso que rara vez, cuando la ansiedad Tull se despierta –cosa que ocurre con relativa frecuencia–, recurro a títulos como "A Passion Play" o "Thick As a Brick", platos demasiado contundentes, que requieren de tiempo y tranquilidad para ser paladeados. Termino siempre con "Aqualung" o con "Living in the Past" entre las manos. O con alguno de sus discos intermedios: "Minstrel in the Gallery", "Songs from the Woods" o "War Child". Mirando hacia atrás, con carácter retrospectivo, todos coincidiremos en que la aportación de Ian Anderson al Gran Concierto del Rock no tiene precio. Más de treinta álbumes oficiales, más de 60 millones de copias vendidas en todo el mundo, más de 2.500 conciertos a sus espaldas en más de 40 países confirman que Eso Era Música. ThatWasMusic. Y afortunadamente, lo sigue siendo. Por muchos años. God Save Jethro Tull. Y a la reina, alpiste.

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Just For Testing Purposes:
Listen "Stand Up" (1969) • Listen "Benefit" (1970) • Listen "Aqualung" (1971) • Listen "Thick as a Brick" (1972) • Listen "Living in the Past" Part 1 and Part 2 (1972) • Listen "A Passion Play" (1973) • Listen "War Child" (1974) • Listen "Minstrel in the Gallery" (1975) • Listen "Songs from the Woods" (1977) • Listen "Bursting Out" (1978)

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GEORGE HARRISON, ETERNAL

BECAUSE WE LIVE IN A MATERIAL WORLD, YOU SHOULD LISTEN THIS ALBUM AGAIN AND AGAIN

Antes de escribir estas líneas he estado pensando un buen rato qué decir de "All things Must Pass". Para mí no es fácil hacerlo. Esta maravilla firmada por George Harrison, el Beatle místico, es algo más que un disco emblemático; más que una obra de arte; más que el mejor de los álbumes de la era post Beatle, junto al "Imagine" de John Lennon; más que el hito de haber sido el primer triple LP grabado en la historia del rock por un artista; más, en definitiva, que un disco de culto; más que una grabación absolutamente inmortal, bella e insuperable; más..., ¿qué más?. Lo diré a tumba abierta: "All things Must Pass" formó parte de la banda sonora de la primera juventud de quien esto escribe. Y eso marca de por vida, no se puede olvidar. A los catorce años yo echaba monedas en una máquina de discos, en un bar perdido, en un pueblo perdido en mitad de Aragón, en un verano libre e interminable. Sonaba "My Sweet Lord". Y también "What is Life" y "Apple Scruffs". Afortunadamente, no era yo el único dispuesto a alimentar a aquel mostruo insaciable. Recuerdo que todos nos quedábamos sin monedas a diario, sin poder comprar tabaco. Todo por seguir escuchando a Harrison, una y otra vez. De vez en cuando, para variar, apretábamos otras teclas y optábamos por darle una oportunidad a Ringo y su genial "It´t Don´t Come Easy", o a Paul, con su delicioso "Another Day"; también, en menor medida, a Paul Simon, a Paul Revere y los Raiders, a los Creedence, o, ya de noche, cuando aparecía alguna chica de las que encandila, a Roberta Flack, que nos mataba suavemente y nos dejaba suspirando. No obstante, Harrison reinó en solitario en aquel particular Summer of Love.
Hoy, muchos años después, cuando escucho cualquiera de las canciones de "All Things Must Pass", se me hace un nudo en la garganta y entro en estado afásico, incapaz de articular una sola palabra. Sólo puedo escuchar, en silencio, con auténtica devoción, convencido de que THAT WAS MUSIC. ¿Lo entendéis? Sí. Eso era música. Música inmensa, perfecta, bellísima, inspirada, inagotable, auténtica, honesta, reconfortante y pura. Es cierto. Es así. O lo era. El jardín ya no es el mismo, George. Ahora cruza una autopista de peaje; la excavadora se llevó por delante a los enanitos –"¿Enanitos?, ¡dejémonos de mariconadas!", resolvieron–; el aire se vició debido a una zona industrial en la que fabrican algo que no sé para qué sirve pero que me obligan a comprar. Pero eso no es lo peor: inventaron, a renglón seguido, los relojes digitales, la odiosa MTV, y un montón de aberraciones más; instauraron el culto al marketing, al break-even, al Cost-Volume-Profit Analysis, al ego que tú tanto aborrecías, y a la vulgaridad más lacerante; denostando y prohibiendo, por el camino, todo aquello que antes entendíamos era sagrado. Para terminar, edificaron millones de nichos de hormigón, que tapan el horizonte, y que nos venden, hatajo de hijos de la gran puta, a plazos de por vida. ¡Ay, George, cuánta razón tenías al avisarnos! "¡Cuidado con la oscuridad, tened cuidado con la oscuridad!", cantabas. Ojalá estuvieras aquí, de verdad. Y ojalá alguien me devolviera aquellas monedas de cinco pesetas y aquella fantástica jukebox llena de himnos de vida a 45 revoluciones por minuto.


• Página oficial de George Harrison
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Just for testing purposes:
• Listen "All Things Must Pass", Part 1 and Part 2
(Link found in Atravesdelpuente)

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