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lunes, 30 de noviembre de 2009

JIMI HENDRIX, BEST ROCK GUITAR

ALMOST 40 YEARS AFTER HIS DEATH, JIMI HENDRIX IS STILL THE ABSOLUTE KING OF GUITAR

La segunda votación de los amigos y visitantes de ThatWasMusic a la hora de elegir al mejor guitarrista de todos los tiempos no ha deparado muchas sorpresas. A pesar de los años transcurridos desde su muerte, en 1970, Jimi Hendrix sigue siendo, para la inmensa mayoría, el gran héroe de la guitarra. En su breve e intensa carrera grabó tres álbumes oficiales; arrasó en Monterrey y en Woodstock; deconstruyó el himno de Estados Unidos; consiguió hacer llorar y cantar a su guitarra, que parecía formar parte de su cuerpo, como un miembro más. Aun ardiendo, quemada, seguía gimiendo, acoplándose, prometiéndole fidelidad. Jimi fue el rey del wha-wha, del feedback, de la retroalimentación; su forma de tocar era absolutamente pagana, ritual, excesiva, delirante. Cada vez que le veo en filmaciones de época me asombro y entiendo el hecho de que publicaciones como Time o Rolling Stone le consideren el mejor guitarrista de la historia del rock. Hace sólo tres días, a sus muchos títulos se ha añadido uno más: la página Music Radar convocó una encuesta para decidir cuál era el mejor riff de guitarra de la historia. Probablemente "Layla", el desaforado grito de amor de Clapton, cosechó muchos votos, pero "Woodoo Child" se alzó en el podium de forma contundente. Lo mismo ha pasado en nuestro sondeo. Una vez más, Hendrix se muestra imbatible. Su trono sigue vacante.

Resultados de la votación
"War of the Classics - Mejor guitarra de la historia del rock"
Votantes: 147 personas.
Votos totales otorgados (5 por persona): 735

1. Jimi Hendrix (97 votos) 2. Eric Clapton (60) 3. Jimmy Page (59) 4. Frank Zappa (37) 5. Steve Ray Vaughan - David Gilmour (34) 6. Carlos Santana (33) 7. Jeff Beck (31) 8. Duane Allman - Steve Howe (22) 9. Robert Fripp (21) 10. Mark Knopfler (19)

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The Jimi Hendrix Experience (4CD)
Listen CD1-CD2 Listen CD3-CD4
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viernes, 27 de noviembre de 2009

J.J. CALE, CAJUN MOON

MAGNOLIA YOU SWEET THING, YOU´RE DRIVING ME MAD. GOT TO GET BACK TO YOU, BABE. YOU´RE THE BEST I EVER HAD...

Si un artista ejemplifica la fidelidad a un estilo y a un modo de hacer las cosas, ése es J.J.Cale. Me enganché a su música en los setenta, con sus primeros álbumes. Cuarenta años después, "Naturally", "Troubadour", "Okie" o "Shades" siguen animando las horas del día y de la noche. Son clásicos incombustibles por los que no pasa el tiempo en absoluto. Algunas discografías no resisten el paso de las décadas, suenan trasnochadas, añejas; no soportan una revisión a fondo. Los discos de Cale, sin embargo, cabalgan sobre modas y tendencias. Son atemporales. Y desde el primero hasta el último hacen gala de una coherencia temporal, sin fisuras, en bloque. Maestro y mejor representante del llamado "Tulsa Sound" –mezcla de country, rockabilly, blues y jazz–, Cale es un tipo tranquilo, que aborrece las giras, huye de los medios de comunicación, y se zafa del servilismo que conlleva la fama. Lo suyo es, usando una licencia casi poética, rasgar su acústica en un porche, al anochecer, mientras una oronda y pálida luna cajun se eleva en el cielo y los chacales aullan al borde del desierto. Es así aunque pueda sonar tópico. Tal vez por eso, por su poca predisposición a las concesiones, el mundo tuvo que esperar a que fuera Eric Clapton el que popularizara dos de sus temas más célebres –"Cocaine" y "After Midnight"– para reverenciarle. Su estilo es puro "laid back", pulsación contenida, acordes sencillos, punteos breves y concisos, al servicio de una voz perezosa, que huele a cazalla y denota insomnio; que narra historias de amores y viajes por interminables rectas que no conducen a ninguna parte. Cuando Cale musita una de sus baladas desasidas –y pienso en la magistral "Magnolia"–, el cielo se congela y las estrellas se apagan. Tras cuatro décadas impertérrito, defendiendo un bastión que le pertenece por derecho, un área en la que nadie puede hacerle la más mínima sombra, Cale continúa cosechando premios y grabando, cuando le apetece y con quien le apetece, joyas como ese "Road to Escondido" junto a su viejo amigo Clapton. Da gusto ver a músicos así. Son leones rugiendo en el otoño de sus carreras.

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Listen "Naturally" (1971) Listen "Really" (1972)
Listen "Okie" (1974) Listen "Troubadour" (1976)
Listen "5" (1979) Listen "Shades" (1981)

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miércoles, 18 de noviembre de 2009

JOHN CALE, TOUJOURS PARIS

"NOTHING FRIGHTENS ME MORE THAN RELIGION AT MY DOOR..." (PARIS 1919. JOHN CALE)

No creo que nadie, a estas alturas, necesite una introducción o un esbozo biográfico de John Cale, cincuenta por ciento de la Velvet Underground, junto a su compañero Lou Reed. Confieso que a excepción de algunos álbumes que siempre me han gustado –"Transformer", "Rock´n´Roll Animal" o "Berlin"–, nunca he sido un incondicional de Reed. Todo lo contrario de lo que me ocurre con John Cale. Supongo que esto es debido a que Cale es un músico y compositor que jamás ha dejado de sorprenderme. Puede fluctuar entre el rock, el pop, la música de vanguardia, la música clásica o la electrónica. O bien mezclarlo todo. Quizá simplemente sentarse ante un piano y cantar como pocos pueden hacerlo. Tal vez dirigir un coro, o componer música de cámara para cuarteto de cuerda. Dicho de otro modo: John Cale es un prestidigitador capaz de sacar de su chistera algo nuevo en cada ocasión. Por si esto fuera poco, es un músico de corte, inspiración y temperamento europeo; un músico que hace musica "culta", aunque el disco en cuestión se mueva en los parámetros del pop más accesible. Recuerdo que en los setenta tuve que comprar más de una vez muchos de sus LP´s. Concretamente algunos de ellos –"Fear" o "Slow Dazzle" para el sello Island– sonaban a todas horas, de día y de noche, y a pesar de los cuidados acabaron deshechos. "Paris 1919", grabado en 1973 para el sello Reprise, es sin lugar a dudas su obra más conocida, posiblemente la más perfecta, la más impoluta. También es mi favorita. Nueve temas imbatibles, elegantes, de pop clásico, arreglo sinfónico e inspiración parisina; letras que son literatura; atmósfera introspectiva, que produce escalofríos y convoca a la soledad como compañera de viaje. Todo en "Paris 1919" es monumental e impresionante. Uno se siente en un tren, en mitad de Francia, contemplando un paisaje invernal, desapacible, o haciendo redoblar un tambor en medio de los Campos Elíseos arropado por una orquesta de cuerda, o tomando un té con Graham Greene. En resumen: "Paris 1919" es un disco de Arte y Ensayo, lleno de melodías inolvidables y textos memorables. En 2006 se reeditó en forma de doble álbum, incluyendo ensayos o versiones alternativas. Y hace sólo dos días, el 21 de noviembre, el público de Cardiff, en Gales, tuvo la inmensa suerte de poder asistir a un concierto especial, en el que John Cale y su grupo, más una orquesta, ofrecieron la totalidad de esta obra clásica, que no puede faltar en ninguna colección que se precie de serlo. Escucha esta joya, y después, cómprala. De nada.




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DAEVID ALLEN, TAKE A TRIP

THE MUSIC OF DAEVID ALLEN IS THE BEST KEY TO ENTER A WORLD IN WHICH EVERYTHING IS POSSIBLE. LIKE ALICE, TAKE A TRIP TO THE REALM OF FANTASY...

El caso de Daevid Allen –cantante, guitarrista, poeta, compositor y showman– es peculiar, realmente curioso. Posiblemente no haya otro caso como el suyo en toda la historia del rock. Este genial beatnick, que ofrecía ositos de peluche a la policía francesa durante las revueltas estudiantiles de mayo de 1968 en París, estuvo involucrado en algunos de los grupos y aventuras musicales más interesantes de los setenta. Resumir sus andanzas para aquellos que no estén familiarizados con el personaje es casi imposible. Baste decir que fue miembro fundador de Soft Machine, junto a Kevin Ayers, Robert Wyatt y Mike Ratledge; que de su gorro frigio extrajo, como buen prestidigitador, toda la magia y locura de la comuna-metafísico-espacial-vanguardista-bananera llamada Gong, ayudado, entre otros, por Didier Malherbe, Steve Hillage, Tim Blake y su compañera Gilli Smyth, poetisa que contribuiría decisivamente en la puesta en escena y en la creación de atmósferas lisérgicas, amén del ritual y la cosmogonía de la banda. Asentado en Mallorca, tras dejar Gong en 1973, formó parte del excéntrico colectivo de genios británicos exilados en torno al oasis idílico de la localidad de Deià. Allí grabaría uno de sus álbumes más bellos junto a un grupo sin continuidad llamado Euterpe: "Good Morning" (1976), disco inenarrable, onírico y bello, que parece haber sido compuesto para ser el soundtrack de un viaje astral, plácido y revelador. Luego seguirían otras joyas, como "Now is the Happiest Time of Your Life" (1977) o el formidable "The Owl & the Tree" (1990) con su grupo Mother Gong. Evaluando la carrera de Daevid, sopesando su formidable trabajo, repasando sus incontables discos, cuesta entender que un músico tan original y adelantado a su tiempo jamás haya disfrutado del éxito fuera de los círculos minoritarios y esotéricos que saben y entienden, y que le veneran como el músico lúcido y brillante que es. Ojalá sirvan estas líneas para que algún neófito le descubra y compre sus álbumes. El asombro está garantizado. No lo dudes: una canción de Allen te reducirá, o te convertirá en polvo dorado, y hará que pases, por un agujero, o a través del espejo, al otro lado, al igual que Alicia.

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Página oficial de Daevid Allen Página oficial de Gong
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Just for Testing Purposes (Links found in Taringa)

Listen Bananamoon (1969) Listen "Good Morning" (1976)
Listen "Now is the Happiest Time of Your Life" (1977)
Listen "The Owl & The Tree" (1990)



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lunes, 16 de noviembre de 2009

THE SONG OF ETERNAL NUMBERS

"HIGHDOWN FAIR" IS PROBABLY THE BEST ALBUM RECORDED BY THE ITALIAN COMPOSER AND VIRTUOSO ANGELO BRANDUARDI IN THE SEVENTIES. MUSIC & POETRY HAND IN HAND.

Estoy seguro de que en más de una ocasión –sobre todo cuando los discos eran discos, y las carátulas, carátulas–, todos hemos acabado comprando el álbum de un artista o grupo desconocido basándonos en las sensaciones que nos transmite la imagen o el diseño de la portada. El papel del caramelo, vaya. Según el tipo de dibujo, la fotografía o las tipografías empleadas, uno conseguía hacerse una idea, por lo general bastante acertada, del contenido. Cuando en 1976 vi la portada de "Highdown Fair", tercer trabajo de estudio del compositor, cantante, violinista y musicólogo italiano Angelo Branduardi, supe que la música de sus surcos debía ser algo realmente excepcional; a buen seguro, próximo a la música clásica, tal vez renacentista; que sus diez temas serían frágiles como el buen cristal; que los arreglos y melodías se intuían memorables. De algún modo entendí que esa portada envolvía un contenido introspectivo, lleno de luces y de sombras. No me equivoqué. Angelo Branduardi llegó a grabar tres versiones de esta bellisima obra de arte. Una, obviamente, en italiano; una segunda, en francés; y la que nos ocupa, para el mercado anglosajón. Las tengo las tres. Y no sabría con cuál de ellas quedarme. Tal vez, por deformación, con ésta, aunque las tres son perfectas. "Highdown Fair" es un álbum de folk o música de corte tradicional que linda en algunos momentos con el rock progresivo. No dista mucho –y esto sólo son apuntes para aquellos que no conozcan a Branduardi– de algunos pasajes sutiles de la Premiata Forneria Marconi ("Dove, Quando"), o de la belleza operística de un "Canto di Primavera" de Banco. Voces, violines, guitarras clásicas, teclados, flauta, percusión y arreglos orquestales, visten composiciones aplastantemente hermosas, inolvidables. Temas que son inmediatos, ya que poseen, aun sin guardar relación con el género, la esencia del mejor pop. Todo en "Highdown Fair" es pura acuarela poética. Baste decir que el disco forma parte del acervo cultural italiano, como un "Photos of Ghost" de PFM. Y que cuando Branduardi y sus músicos atacan en directo la monumental "The Song of Eternal Numbers" –la pieza más ambiciosa del álbum–, la ovación es histórica. Este es el disco a escuchar al caer la tarde, junto al fuego, mientras la lluvia y las luces del mundo exterior crean un fascinante entramado de formas calidoscópicas en el cristal. No te lo pierdas. No te arrepentirás jamás. Y si te gusta, haz el favor de comprarlo.


Página oficial de Angelo Branduardi
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Link found in Vlasdance

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domingo, 15 de noviembre de 2009

ALVIN LEE & MYLON LEFEVRE

"ON THE ROAD TO FREEDOM", THE FIRST SOLO ALBUM OF ALVIN LEE WITH GOSPEL SINGER MYLON LEFEVRE, REMAINS AS A BEAUTIFUL CLASSIC FROM 1973. A GEM THAT YOU SHOULD LISTEN AND BUY.

En 1973, Alvin Lee, guitarra y líder de los excelentes Ten Years After, decidió que era el momento de tomarse un pequeño descanso. El cuarteto estaba en la cima y él quería probar otras cosas. Cuando surgió la oportunidad, –tras la edición de "Rock ´n´Roll Music To The World"– de colaborar con Mylon LeFevre, cantante de gospel estadounidense, no se lo pensó dos veces. Mylon había tenido el honor, a los 17 años, de que Elvis Presley grabara una de sus primeras composiciones. Y a los 19 ya había editado su primer trabajo. Fruto de la entente cordial entre Alvin y Mylon, nació "On The Road To Freedom", un disco completamente distinto de todo lo que nuestro querido guitarrista había hecho hasta el momento con TYA. De entrada, salvo algunas concesiones al rock comedido ("Fallen Angel", "Let´em say what they will" , "Riffin" o "Rockin´Til the Sun Goes Down"), el sonido es eminentemente acústico, plácido, dominado por las baladas ("Carry My Load", "So Sad"); el swing y el gospel ("The World is Changing", "Funny", "We will Shine", "I Can´t Take it") y una atmósfera de libertad creativa evidente de principio a fin. Todo en "On The Road To Freedom", y eso incluye el maravilloso tema que titula al disco, es un dechado de perfección, de buen hacer. Sonido envolvente, ritmo contenido, arreglos minuciosos, producción impecable. Y un elenco de músicos arropando a Alvin y a Mylon difícil de volver a reunir. Ahí está Hari Georgeson (George Harrison, buen amigo de Alvin), a la guitarra y slide-guitar; Steve Winwood, Rebop y Jim Capaldi (Traffic), en diversos puntos del disco; Ron Wood (Faces, Stones), en fregados y jams diversas; Mick Fleetwood (Fleetwood Mac), a la guitarra; Ian Wallace (King Crimson), a la batería; Boz Burrell (King Crimson y Bad Company), al bajo, entre otros muchos. Así que no creo que a nadie le cueste entender que este "camino a la libertad" sea una verdadera joya en todos los aspectos; un álbum de lujo que puede ser escuchado una y otra vez sin que aparezcan síntomas de hartazgo. A mí me cayó en la manos meses antes de entrar en la Universidad. Hace 36 años que lo escucho con frecuencia, y jamás me canso de él. Ha resistido el paso del tiempo de maravilla. Sigue sonando fresco y vital. Así que llegados a este punto me toca decir aquello que suelo decir en ocasiones: Hats Off, caballeros. Sombreros fuera. Y algo más: cuando estéis enamorados del disco, cosa que ocurrirá rápido, buscadlo en la primera tienda que os salga al paso. Fue reeditado por Repertoire, en 1973, con un tema extra –la versión para single de "So Sad"–, y la inclusión de letras, fotos, comentarios y anécdotas de la grabación. Lo dicho: excelente en todos los sentidos. Ni te lo pienses.

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(Link found in El Blog de Archie)

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jueves, 12 de noviembre de 2009

CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL

SOMEONE TOLD ME LONG AGO, THERE´S A CALM BEFORE THE STORM, I KNOW! IT´S BEEN COMIN´ FOR SOMETIME...

La música de Creedence Clearwater Revival, o CCR, forma parte indisociable de la adolescencia y juventud de los nacidos en los cincuenta. Recuerdo que llegué a pulverizar los surcos de "Cosmo´s Factory" y "Pendulum" en el tocadiscos monoaural de la casa de mis padres antes de afeitarme regularmente. Y no recuerdo música posterior, ni siquiera los temas de mayor voltaje de los Stones, que me sacudieran tanto como lo hicieron "Travelin´Band", "Hey Tonight" o "Sweet Hitch-Hiker", puestos a citar sólo alguno de los muchos formidables hits de este cuarteto estadounidense. Resultaba imposible no quedar prendado de sus discos. Voces, una armónica, dos guitarras, bajo y batería, bastaban a la hora de crear un sonido –etiquetado por muchos como Swamp Rock, o Roots Rock: amalgama de elementos propios del blues, la música cajun, el rock and roll y el pop– que hacía que los pies se dispararan y el corazón acelerara su ritmo. Creo que el gran éxito de John Fogerty, voz y guitarra; Tom Fogerty, guitarra rítmica; Stu Cook, bajo, y Doug Clifford, batería, se basó en la sencillez de una ecuación que huía de artificios, arreglos inútiles o exceso de mezclas. Nunca sintieron la tentación de complicar sus temas, añadiendo algo de cuerda aquí o un arreglo de metal allá. Menos siempre será más. Su apuesta por la simplicidad; su apariencia honesta, campechana, y la fidelidad mantenida a esa norma de trabajo desde el primero hasta el último de sus álbumes, hicieron de CCR algo único. Lo cierto es que echo en falta su vitalidad, el buen humor que transmitían sus canciones, las noches con la oreja pegada a la radio cuando se editaban sus discos. Aún siguen siendo un antídoto contra la tristeza y los momentos bajos. No hay mejor compañero de camino que un buen disco de Creedence. Sombreros fuera, señores. Eran, simplemente, grandes e irresistibles.

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Página oficial de Creedence Clearwater Revisited (Stu Cook & Doug Clifford) Página oficial de John Fogerty Más información sobre CCR en All Music Comprar los álbumes de CCR

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Listen Creedence Clearwater Revival (1968) Listen Bayou Country (1969) Listen Green River (1969) Listen Willie and the Poor Boys (1969) Listen Cosmo´s Factory (1970) Listen Pendulum (1970) Listen Mardi Gras (1972) Listen CCR Live in Europe (1973)











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miércoles, 11 de noviembre de 2009

WEATHER REPORT

RECORDED IN 1977, "HEAVY WEATHER" WAS THE ALBUM THAT PUT THE NAME OF WEATHER REPORT ON THE MAP, AN ABSOLUTE FUSION CLASSIC.

Ninguna banda, a excepción de Chic Corea y sus Return to Forever, contribuyó tanto a la entronización y éxito del jazz fusión, o simplemente del jazz-rock, durante la década de los setenta, como Weather Report. El camino había sido abierto –no podía ser de otro modo–, por Miles Davies, con dos obras básicas y esenciales en la historia de la música: "In a Silent Way" (febrero de 1969) y el doble álbum "Bitches Brew" (grabado seis meses más tarde); discos que inauguraron la progresiva electrificación de la música del gran maestro. En el primero de ellos, junto a invitados de la talla de John McLaughlin, Herbie Hancock o Dave Holland, participaban Joe Zawinul (órgano) y Wayne Shorter (saxo), piedras angulares en la construcción del sonido Weather Report. El grupo ha estampado su firma a casi veinte fantásticos trabajos desde 1971 hasta la actualidad; baste recordar títulos como "Misterious Traveller" (1974), "Black Market (1976) o "Mr. Gone" (1978), considerados verdaderas joyas por los amantes del género. De todos modos, fue "Heavy Weather" (1977) la grabación que catapultó a Weather Report al estrellato consagrándoles como una formidable banda capaz de atraer a miles de personas a sus conciertos. Junto a Zawinul y a Shorter, completaban la formación tres auténticos monstruos: Jaco Pastorius, bajo; Alex Acuña, batería y Manolo Badrena, percusión. Cinco virtuosos capaces de patentar un sonido propio, lleno de ritmo, tono, color, atmósfera y paisaje, en un óleo musical tan impredecible y sorprendente como una primavera en Inglaterra y tan cargado de electricidad como una tormenta de verano. Desde el clásico "Birdland" hasta "Havona", cerrando el disco, todo en "Heavy Weather" es impecable. Una lección y un derroche. Puro delirio capaz de embotar los sentidos. En definitiva, una obra maestra imprescindible. Cómprala.



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sábado, 7 de noviembre de 2009

NICK DRAKE, FOOTSTEPS IN THE SAND

TO SEE A WORLD IN A GRAIN OF SAND, AND A HEAVEN IN A WILD FLOWER, HOLD INFINITY IN THE PALM OF YOUR HAND, AND ETERNITY IN AN HOUR William Blake (Auguries of Innocence)

El 25 de noviembre de 1974 –en pocos días se cumplirán 35 años– murió el músico y compositor británico Nick Drake en la habitación que ocupaba en la casa de sus padres. Al parecer, una sobredosis de un antidepresivo provocó el óbito. Desde entonces, especular si se trató de un desgraciado accidente o de un suicidio ha sido una constante. Nunca se sabrá, aunque todo apunta a que Nick estaba cansado, sin fuerzas, sin ganas de seguir luchando por una carrera en la que había puesto toda su ilusión sin que el más mínimo rédito –léase éxito, reconocimiento, ingresos– viniera a compensar tanto esfuerzo. Este joven tímido, huidizo, que jamás quiso conceder entrevistas ni actuar a fin de promocionar su música, tenía, a decir de su hermana, una "piel demasiado fina". La metáfora sirve para ilustrar su carácter solitario, introspectivo, etéreo. Nick nunca encajó bien en el mundo y el suyo es el perfecto ejemplo de cómo el exceso de sensibilidad puede convertir la existencia en un infierno. Todos a su alrededor estaban convencidos de su extraordinario talento, de la belleza de sus canciones, otoñales, puras. En Island records creían en él, a pesar de que las ventas de su primer álbum, "Five Leaves Left" ("Quedan cinco hojas", en referencia al papel de fumar), fueron muy discretas, y de que "Bryter Layter", su segundo trabajo, publicado un año después, en 1970, había corrido igual mala suerte. Ninguno de esos dos discos sobrepasó las 5.000 copias. Joe Boyd, su célebre productor, le solía animar diciéndole que era una verdadera estrella, que era imposible que el mundo no terminara descubriéndole y rindiéndose ante la inefable belleza de su música. Estaba tan convencido de la extraordinaria calidad de la obra de Nick que incluso llegó a incorporar una claúsula en su contrato, por la que Island se comprometía a no retirar jamás de su catálogo los discos del joven. Pero Nick estaba condenado a reinar en el futuro, tras su muerte, como muchos héroes o muchos mitos. Apenas tenía dinero, ni para unos zapatos. Pasaba los días con sus libros y su guitarra, fumando hierba y maldiciendo su destino. En su última época, se recuperó brevemente, anunció que estaba dispuesto a volver a un estudio de grabación. Y así fue. En cuatro horas, repartidas en dos sesiones nocturnas, grabó un álbum final, desnudo, sólo con su voz y su guitarra. Una media hora de música. Dicen que dejó las cintas de "Pink Moon" (1972) en la recepción de Island Records y que llegó a afirmar que tras ese trabajo ya no tenía nada más que decir. El disco vendería aún menos que los dos anteriores. Después sobrevino el trágico final y nació la leyenda. Años después, su nombre acabó trascendiendo los restringidos círculos que alimentan cultos minoritarios y sus canciones comenzaron a sonar. Sus tres trabajos oficiales, más un álbum llamado "Time of no Reply" (que contiene, junto a versiones alternativas y grabaciones caseras cuatro temas que Drake grabó de forma póstuma antes de morir), se editaron en una caja llamada "Fruit Tree" (1986). En el año 2000, llegaría el éxito... ¡Qué burla, qué desatino supone que un formidable músico y poeta triunfe debido a que Wolkswagen decidió usar una de sus canciones en un spot de televisión! Hoy, en definitiva, todo el mundo admira, venera y reverencia el nombre de Nick Drake; se rebusca en archivos, en bovinas y en cassettes, intentando hallar material desechado; se suceden las recopilaciones, los homenajes, los documentales. Y toda una nueva generación de músicos admite estar en deuda con su música. Nick Drake fue un William Blake intimista, un Rimbaud elegante, de belleza y maneras casi andróginas, un compositor monumental. Puede sonar pasional y excesivo por mi parte, pero confieso que tras más de cuarenta años escuchando música recuerdo pocos artistas tan auténticos, puros y honestos. Su voz de terciopelo, tremendamente humana, frágil, capaz de traspasar soledades y transmitir miedos o alegrías, me emociona. Nunca habrá otro como él.

Más información sobre Nick Drake en All Music Página Oficial de Nick Drake Página de apoyo al artista Comprar los discos de Nick Drake

The albums of Nick Drake (Just for Testing Purposes)
Listen "Five Leaves Left" (1969)
Listen "Bryter Layter" (1970)
Listen "Pink Moon" (1972)
Listen "Time of no Reply" (1986)

These Links by Courtesy of The Long Desert Train











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miércoles, 4 de noviembre de 2009

STOMU YAMASHTA, GO SESSIONS

GO WAS A BRIEF (1976-1977) MUSICAL ADVENTURE LEAD BY STOMU YAMASHTA, A JAPANESSE COMPOSER AND MUSICIAN

Stomu Yamashta, compositor, percusionista y teclista japonés, fue artífice de uno de los proyectos más interesantes, y a un tiempo efímeros, del rock progresivo de mediados de los setenta. Con el concurso de Steve Winwood –voz, teclados y guitarra, procedente de Spencer Davies Group y Traffic–; Al Di Meola –guitarra de Return to Forever–; Klaus Schulze –teclista de Tangerine Dream y Ash Ra Temple– y Mike Shrieve –batería de Santana y Automatic Man– formó un supergrupo llamado Go, cuyo excelente álbum de igual título apareció en 1976. Como respaldo a la edición del disco, los cinco músicos emprendieron una gira que acabaría dejando testimonio en forma de doble LP: "Go Live from Paris" (1976). Un año después, con la inclusión de nuevos músicos y sin la colaboración de Steve Winwood, Go grabaron "Go Too", legado póstumo que no obtuvo el eco ni las críticas recibidas a raíz de su obra de presentación. Durante los años ochenta, coincidiendo con el indigno descrédito a que fue sometido el género progresivo, los álbumes de Go se convirtieron en una especie de Santo Grial para aficionados y coleccionistas, llegando a ser imposible localizar siquiera una copia. En 2005, los tres títulos regresaron a la vida gracias a un doble CD, "The Complete Go Sessions", que incluye los dos discos de estudio y el doble álbum en vivo, con un depurado trabajo de remasterización. En definitiva: escucha obligada para todos los fans del progresivo, el spacerock y la fusión. Compradlo si lo veis en las tiendas.




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lunes, 2 de noviembre de 2009

IT´S A BEAUTIFUL DAY

THE FIRST ALBUM OF IT´S A BEAUTIFUL DAY, IS A MUST FOR ANY SERIOUS COLLECTOR. DON´T MISS THIS JEWEL

A finales de los setenta, no recuerdo exactamente la fecha, tuve la oportunidad de compartir unas pocas horas con Ian Gillan, voz de la formación clásica por antonomasia de Deep Purple. Charlamos de muchas cosas, y se mostró encantado cuando le dije que durante años, en España, era habitual ver a muchos jovenes llevando "Made in Japan" bajo el brazo. Le formulé muchas preguntas, pero una en concreto me costó verbalizarla. No quería usar la palabra plagio, así que dando rodeos le conté que había reparado en la extraordinaria semejanza entre la melodía de "Sweet Child in Time" de Deep Purple con una pieza llamada "Bombay Calling", del álbum "It´s A Beautiful Day", disco clásico de It´s A Beautiful Day, banda formada en San Francisco en 1967. Se echó a reír de buena gana y, tras alabar mi delicadeza, contestó: "Sí, "Sweet Child in Time" es "Bombay Calling". Todo en esa canción nos fascinó: el ritmo contenido, la melodía, los espacios vacíos. Escribimos una letra y la utilizamos. Ese álbum es una joya, de principio a fin". Le pregunté, entonces, si les habían denunciado por plagio. Sonrió con malicia y explicó: "No. Pensábamos que lo harían, pero no lo hicieron; de todos modos se vengaron a su manera: en su siguiente álbum se inspiraron descaradamente en uno de nuestros temas..."
Contada la anécdota, permitid que Ian Gillan y Thatwasmusic recomienden, al unísono, la escucha plácida y pormenorizada de este bellísimo disco a todos aquellos que no lo conozcan. It´s a Beautiful Day fueron un sexteto liderado por el cantante y violinista David LaFlamme. Irrumpieron en plena efervescencia del llamado "Summer of Love", rebelión social y política cuyo rostro histórico fue el del movimiento hippie; un crisol de música, cultura lisérgica, creatividad artística y estilos de vida alternativos. A pesar de que el grupo cuenta en su haber con bastantes discos, ninguno puede ser comparado a éste. Absolutamente mágico, sorprendente, original y perfecto de principio a fin. "It´s a Beautiful Day" no puede faltar en la discoteca de ningún amante de la Gran Música. Y cuando paséis por una tienda, compradlo, por favor.




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ERIC CLAPTON WAS HERE...

GREAT PARTY, ISN´T IT?

Talking Out Of Turn


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"THE RAIN IN SPAIN STAYS MAINLY...

...IN THE PLAIN" (From the film "My Fair Lady")


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